BARCELONA (EFE).- Xavier Camps tenía 15 años cuando, en compañía de unos amigos, se subió a la cabina de un avión alemán que había sido derribado en el frente y, en las calles de Barcelona, atraía la atención de la mayoría de los vecinos del barrio. Era 1939, en la Guerra Civil Española, y el fotógrafo Robert Capa inmortalizó el momento. Sesenta y nueve años después, Camps se reconoció al ver publicada la fotografía en un periódico.
La imagen, publicada el domingo pasado en El Periódico de Cataluña, es parte de las 3000 fotografías que fueron descubiertas en tres cajas de cartón en México y que también publicó The New York Times el fin de semana pasado. "Cuando vi la imagen pensé: ´¡Pero si soy yo, que estaba encima de un avión que derribaron! , contó Camps, de 84 años, que recuerda con detalle la tarde en que pudo ver de cerca los restos de ese avión militar. Camps se había acercado en compañía de "siete u ocho amigos" para entrar en el avión y comprobar si, como se imaginaban, había allí "ametralladoras, balas o bombas". "No me di cuenta de que hicieron una foto, pero en cuanto la vi en el diario la recordé, en parte por los carteles de guerra que había junto al avión", explicó Camps, que sigue viviendo en Barcelona, en los Jardinets de Gracia, donde Capa lo fotografió.
Los 127 rollos de fotografías sobre la Guerra Civil Española hallados en México, todavía sin clasificar, corresponden a Robert Capa y a sus compañeros David Seymour -cofundador con él de la agencia Magnum- y Gerda Taro. Trabajo forense
El material fue trasladado al Instituto de Fotografía Contemporánea (IFC) de Nueva York, a cuyo fondo sobre Robert Capa se integrará, y cuyos expertos trabajarán ahora en atribuir las imágenes a cada uno de los fotógrafos, una tarea que puede demandar varios meses. Algunos de los rollos, se explicó, tienen al final las iniciales de su autor, pero si eso no basta se clasificará por el estilo de cada imagen, en un verdadero trabajo de "fotografía forense". Está previsto, además, que se organice una exhibición sobre la Guerra Civil Española, a fines de 2009, a partir de esas imágenes.
Así lo expresó la cineasta y experta en arte Trisha Ziff, que intermedió en la recuperación del valioso material. Esta británica nacionalizada mexicana, que reside en la capital de ese país, contactó a un pariente del general mexicano y ex diplomático Francisco Aguilar González, que había heredado el material y lo había conservado durante quince años. Ziff lo convenció de la conveniencia de trasladar el material para conservarlo en buenas condiciones. En 1940, las fotografías habían llegado a manos de Aguilar González, entonces diplomático en Francia, que había luchado en la revolución mexicana a las órdenes de Pancho Villa.
Con ella colaboró en las gestiones el escritor mexicano Juan Villoro, descendiente de una familia de refugiados españoles en México. Según dijo, las fotografías recuperadas son de enorme valor histórico y confirman "la dedicación que estos fotógrafos tuvieron por los temas de alto riesgo". "También hay algunas fotos privadas muy conmovedoras, como una de Gerda Taro, que fue pareja de Capa, dormida con un pijama de hombre que seguramente es de él", contó Villoro, que describió a Taro como la mayor "cómplice" y "aliada en la fotografía" que tuvo el reportero gráfico.
"De las guerras que cubrió, ninguna lo impactó tanto como la Guerra Civil Española. Fue aquella en la que él siempre sintió que estaba con una causa justa", concluyó Villoro.
Una nueva entrega de Fotos con Historia, siguiendo el orden en las que se están repasando en el foro de OjoDigital: Debate sobre el miliciano
Esta fotografía se tomó en el frente de Cerro Muriano, Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Durante un tiempo se dudó de que fuese auténtica, es decir, que estuviese hecha en al campo de batalla, aunque posteriormente se ha verificado su autenticidad e incluso se ha identificado al miliciano al que han disparado como Federico Borrell García. Podéis imaginar los riesgos que corría Capa si estaba a esa distancia de las balas.
Robert Capa fue, parece ser que a su pesar, uno de los más conocidos fotógrafos de Guerra del siglo XX, si no el que más, desde las campañas en la Guerra Civil Española al desembarco Aliado en Normandía, fotos que casi se perdieron por un error en el laboratorio de revelado. Las fotos que se pudieron recuperar se publicaron en el libro "Slightly out of focus", curiosa denominación debida al estado en que se encontraban las imágenes.
Para más información, en la conocida wikipedia, aunque la información es más extensa en la versión inglesa de la entrada.
El siguiente texto es de HermetiC (En la discusión de Ojo Digital) También se especuló con el posado porque existía otra foto tomada exactamente en el mismo sitio con una víctima distinta. Es la que se puede ver debajo de la famosa del miliciano:
el que hubiera distintos "modelos" en un mismo escenario podía indicar un posado, pero también (y es lo que se cree actualmente), que Capa tenía una posición en la trinchera desde la que advirtió que ese punto de entrada estaba cubierto por las ametralladoras enemigas. Posiblemente Capa vio caer allí a más de dos personas.
Una de las claves la da la mano izquierda, con los dedos flexionados:
según forenses y criminólogos, nadie que esté cayendo hacia atrás mantiene los dedos de esa mano flexionados, pues instintivamente se abren y se flexiona la muñeca hacia atrás para parar la caida. Eso indicaría que el miliciano estaba ya muerto en el momento de la foto.
"Heroes never die" es el título de un documental que fue estrenado en 2004, dirigido por Jan Arnold. Fue estrenado en Córdoba y trata justamente sobre el miliciano de Capa y Capa en la Guerra Civil.
El Centro Internacional de Fotografía de Nueva York recibió los negativos que contienen 3 mil 500 fotografías del periodo de la Guerra Civil Española tomadas por el fotógrafo húngaro Robert Capa recientemente descubiertos en México.
Trisha Ziff, curadora del Centro Internacional de Fotografía, de Nueva York, dijo: “no he visto todas las fotos, he visto sólo algunas pocas, pero por lo que he visto se trata de las más famosas fotografías que conocemos de Capa, del periodo de la Guerra Civil Española en el contexto del papel de la imagen, así que podemos aprender de su proceso creativo, como capturaba este tema en sus fotografías y eso es muy importante”.
Los negativos serán restaurados en el Centro Internacional de Fotografía, fundado por el hermano de Robert Capa donde se espera se instale una exhibición con las emblemáticas imágenes de este reconocido fotógrafo.
Halladas tres cajas con más de 3.000 negativos que un diplomático recibió en Francia en 1940
Los 127 rollos conservan imágenes de personajes y escenas de combate de la guerra civil española
JUAN Villoro. El Santo Grial de la fotografía. Así define Brian Wallis, director del Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, las imágenes de la guerra civil española perdidas por Robert Capa en 1940. EL PERIÓDICO DE CATALUNYA y The New York Times publican hoy por primera vez algunas de estas instantáneas. El escritor Juan Villoro, colaborador de este diario, pudo ver este tesoro antes de que saliese de México y explica su historia.
Robert Capa aceptaba perder en el juego a cambio de ganar en el amor. Vivió con la intensidad de un apostador compulsivo. En 1954, a los 40 años, tomó en Vietnam su última fotografía y fue arrastrado por la metralla. Su excepcional trato con la fortuna había terminado. En esa carrera marcada por el peligro, salvar el pellejo nunca fue tan importante como salvar los negativos. En 1940, tres cajas con 127 rollos de la guerra civil española llegaron a manos del general mexicano Francisco Javier Aguilar González, que era diplomático en Francia. No se sabe quién se las confió. México había dado asilo a los republicanos españoles y se aprestaba a recibir prófugos de la segunda guerra mundial. El general ayudaba a recuperar objetos perdidos en el naufragio de la historia. Alguien juzgó que debía hacerse cargo de los negativos tomados en España por Gerda Taro, David Seymour (Chim) y Robert Capa. Durante casi 70 años las cajas sufrieron los avatares del exilio. Los especialistas las dieron por perdidas. En el 2001 Richard Whelan publicó Robert Capa. The Definitive Collection. El archivo del fotógrafo parecía cerrado. Whelan murió a fines del 2007. Su correo electrónico tenía un mensaje que no llegó a leer. Provenía de México y lo enviaba la curadora y cineasta Trisha Ziff. Algo insólito había ocurrido: tras 70 años, más de 3.000 negativos, muchos de ellos de Capa, volvían a la luz.
EL HALLAZGO
Ziff dio con las cajas a través de los descendientes del general Aguilar González, hombre colorido que peleó en la Revolución bajo las órdenes de Pancho Villa y fue diplomático en el Lejano Oriente y Francia. Su familia conocía sus proezas como jinete (domó un caballo para la hija de Hirohito) pero ignoraba que había salvado un excepcional pasaje de la fotografía. Es posible que también él ignorara el alcance de esos negativos y los conservara como una muda obligación hacia el pasado. A principios de los años 90, ya muerto el general, sus familiares vendieron su casa y encontraron tres cajas a las que tardaron en dar importancia. Ahí estaban las fotografías de Capa, Chim y Taro. Las obras pertenecen a los herederos de los fotógrafos y deben ser conservadas en condiciones especiales. En consecuencia, en diciembre del 2007 fueron enviadas al Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, fundado por Cornell Capa, el hermano de Robert Capa, aún vivo. "Los negativos despedían un aroma a nitrato pero están en muy buen estado", afirma Ziff. "¡Es como encontrar el Santo Grial!", comenta Brian Wallis, director del centro: "Conocíamos 500 fotos de Capa de la guerra civil y ahora tenemos unas 3.500. Tardaremos en establecer cuáles fueron tomadas por Capa, Taro o Chim, pero al fin tendremos el panorama completo de lo que hicieron en la guerra civil", añade. Los tres fotógrafos reunidos en la caja cayeron en frentes de guerra (Taro, en España; Chim, en Suez; y Capa, en Vietnam). "Si la foto no funciona, no estás suficientemente cerca", afirmaba Capa. Cada una de sus imágenes sobrevivió de milagro y padeció los descuidos con que se trata un material urgente (un precipitado laboratorista arruinó su trabajo más intrépido, nada menos que el desembarco en Normandía).
EL LEGADO FOTOGRÁFICO
Para proteger su obra, Chim y Capa fundaron la Agencia Magnum en compañía de Cartier-Bresson. Tenían una clara idea de la conservación de negativos, pero no pudieron hallar los de la guerra civil. Chim viajó a México en el Sinaya para cubrir el desembarco de los refugiados españoles y Capa estuvo en el país en 1940. No se sabe si buscaron ahí las fotos de España o si hablaron del tema con su impresor, Emerico Weisz, quien vivía en México, casado con la pintora Leonora Carrington. "Mi hipótesis es que pensaron que eso se había perdido para siempre y dejaron de buscarlo", comenta Wallis. ¿Quién podía suponer que el tesoro se había salvado gracias al mexicano que domó un caballo para la hija del emperador japonés? Vi las cajas en compañía de Ziff, poco antes de que ella las llevara a Nueva York: un rollo dedicado a la Pasionaria, la perenne juventud de García Lorca, Barcelona en el fragor republicano.
"Aquí se narra la historia del exilio --comenta Ziff--. Estos negativos son refugiados; aparecieron en México por una razón política, el asilo que se dio a los perseguidos; por eso es tan importante que se haga una exhibición aquí". Wallis coincide: "México jugó un papel crucial en esta historia: fue el sitio de refugio para una Europa que se desgajaba; es muy importante que las fotografías se muestren en México y en España".
André Friedmann, el inventor de sí mismo que se hizo llamar Robert Capa, llevó una legendaria vida breve: conquistó a Ingrid Bergman, saltó en paracaídas, viajó a Moscú con Steinbeck, bebió con Hemingway, amó a Gerda Taro y no se repuso de su temprana muerte.
Entre los negativos hay pocas fotos íntimas. En una de ellas, Gerda duerme con el pijama de Capa. ¿En qué soñaba? La pregunta es ya incontestable. Queda el otro sueño, el de las fotos que se salvaron y hablan de la sinrazón de la guerra. Tres rebeldes murieron para transmitir ese mensaje.
Gustavo Cordera y sus secuaces pasaron por el Patinódromo: dieron un show fallido, acorde a una banda que ya no tiene nada más que ofrecer. Crónica sobre un mamarracho musical.
Bersuit (ex Vergarabat) estuvo en Mar del Plata. El pasado viernes, la banda liderada por Gustavo Cordera se presentó en el Patinódromo municipal, en un show de dos horas y media. Hasta aquí lo que podría ser el comienzo de una crónica tradicional de un recital más en este verano 2008, plagado de propuestas llegadas de Buenos Aires.
Sin embargo, el desarrollo normal de esta crónica se ve interrumpido por el desencanto que generó a este cronista presenciar el show del conjunto de Avellaneda. Bersuit se cayó en picada; nada es lo que insinuó ser en los años previos a la masificación llegada con Libertinaje y De la cabeza. Algo cambió de repente en las formas de Cordera y compañía y las insinuaciones de los primeros años de trayectoria, se vinieron, de repente, a pique. Un show chato, con escasos puntos altos, donde poco fue lo que se pudo disfrutar en los más de 210 minutos que duró el recital. Desde afuera, pareció más un ensayo a puertas abiertas, con 6000 personas presenciándolo, que una presentación oficial del último disco (Bersuit), editado a fines del año pasado.
Comenzaron con Laten Bolas, el corte de difusión que suena en todas las radios, y siguieron con Mi vida, una cumbia rockera, con ritmo pegadizo para deleite de los más nuevitos en esto de seguir a la banda. Después fue el turno del popurrí con parte del repertorio de los primeros discos (Y punto y Asquerosa alegría). Un breve repaso de lo mejor de la discografía en donde se pudo escuchar efímeramente La papita, La logia iambo iombo, Como nada puedo hacer, Tu pastilla, Los elefantitos, Vamos no llegamos y Cielo trucho.
Así, en escasos quince minutos quedó representado lo más rico de Bersuit Vergarabat. Sólo un rápido paseo por las canciones que los identificaron como La banda under de la escena musical porteña. Una lástima.
Luego, llegó el momento de dar a conocer en vivo el nuevo disco. De eso se trataba el show. Pero ni siquiera esta idea parece estuvo bien desarrollada. Con una banda que sonaba correctamente y una gran puesta en escena de luces y pantalla gigante, Gustavo Cordera desencajaba en la armonía lograda por el resto de los integrantes de la banda, llegando al colmo de tener las letras anotadas en un papel en la mano. Su voz, desgastada, era muy bien sostenida por la de los “coristas” Daniel Suárez y Cóndor Sbarbatti.
Pasaron De ahí soy yo, bases de tango con apariciones de murgas para subirse a la moda ecológica de los grupos de rock argentinos (eso sí: gran producción de vestuarios para esta pieza: tangueros, murgueros, banderas alusivas y mucha coreografía arriba del escenario del patinódromo marplatense). Luego siguieron Ebrio sin razón (interpretada por el guitarrista Alberto Verenzuela), Humor linyera (un solo de voz y piano de Juan Subirá) y gran parte del tracklist del nuevo disco intercalado con canciones de Hijos del culo, La argentinidad al palo y Testosterona.
Pero también hubo tiempo para un par de mamarrachos musicales, totalmente innecesarios para un grupo con ocho discos de estudios y mucha variedad para poder omitir esto: El lechero y El guerrero; dos tracks del nuevo disco que muy poca gente cantó o bailó. El final, luego de un par de amagues con abandonar el escenario, llegó con los “hits” Se viene, Murguita del sur y Sr. Cobranza. Un réquiem pegadizo para que los desmemoriados se queden con la imagen de un show potente y gente descontrolada saltando sin parar.
Pero nada de eso sucedió. Hubo un espectáculo con gran producción de vestuarios (lejos quedaron los tradicionales pijamas que usaban en cada presentación en vivo) y sonido potente; Murguitas y rock-pop cumbiero interpretados sin demasiado entusiasmo y la presentación en vivo de un disco que no convence a muchos. Un desperdicio, sobretodo para aquellos que pagaron 60 pesos por una platea.
Monjes, maestros y pupilos de los monasterios chinos de Shaolin y Wu Dang, de órdenes budistas milenarias, se convierten en actores o protagonistas en el escenario de un teatro, en un espectáculo en el que una veintena de ellos exhiben diferentes artes marciales.
El nuevo espectáculo de los monjes, con 'dos horas de pura acción 'kung fu'', tal y como se presenta en el folleto publicitario que se está repartiendo en Barcelona, se titula 'Shaolin & WuDang. La otra cara de China'. Esta particular propuesta se ha presentado hoy en la entrada del emblemático mercado de la Boquería, en plenas Rambles barcelonesas, ante la curiosidad de unos y el enfado de algunos que querían pasar a comprar. Los protagonistas de la exhibición, entre ellos Xiao Ze, un niño aprendiz de Shaolín de 9 años, van ataviados con vestimentas blancas los de Wu Dang, y de color naranja los de Shaolín.
El espectáculo se podrá ver en el Teatro Tívoli de Barcelona del 5 al 24 de febrero y viajará después a Pamplona y a Lleida y más tarde a París, tras haberse exhibido ya en algunas ciudades italianas. Es una producción del promotor austríaco Georg Hartmann en asociación con el músico chino residente en Austria Cao Wei. El equipo de monjes, maestros y pupilos que aparece en escena está formado por diecinueve personas, mientras que otra docena se halla detrás del escenario en la parte técnica. Está apoyado por la música en directo ritual de la 'Ying Yang Orchestra', dos de cuyas intérpretes femeninas han mostrado también el sonido de sus instrumentos populares en forma de una especie de flauta y de guitarra. La orquesta utiliza también otros instrumentos como el violín pequinés o una serie de gongs o de palitos que tañen las cuerdas de una tabla, todos ellos típicos de la Ópera de Pekín o de la música ritual.
La demostración, hoy, de las técnicas que se exhibirán en el escenario ha sido coreada con varios 'oh' por los turistas y clientes del emblemático mercado de Les Rambles cuando los monjes de Shaolín han exhibido lo que en Occidente podría conocerse como 'romperse la crisma' con la ayuda de una barra, y que aquí ha sido meramente una demostración de control del dolor. Como si fuera Bruce Lee, un joven monje con el torso desnudo ha resistido sin pestañear, primero, un golpe en su espalda con una barra o palo, que se ha partido y, a continuación, un golpe en su cabeza rapada con otro palo que se ha roto en dos. Ya con técnicas de artes marciales mucho más relajadas, dos jóvenes monjes Wu Dang, de unos veinte años, han exhibido las contorsiones de su cuerpo en movimientos que se asemejaban a la danza contemporánea, uno de ellos provisto con un gran abanico rojo.
Los monjes, maestros y pupilos pertenecen a dos núcleos monásticos budistas chinos, bastante alejados geográficos el uno del otro, practicantes de budismo zen, los de Shaolín, y de taoísmo, los de WuDang. Shaolín significa montaña y tiene sus orígenes en una zona boscosa a 1.200 kilómetros de Pekín, mientras que la práctica WuDang, que quiere decir monte, procede de una montaña que está mucho más cerca de la capital china. Con este espectáculo, que en China no se ve como tal, en un teatro con espectadores pagando entrada, sino que se ofrece en los 'Holy festivals', los promotores chino y austríaco pretenden acercar al espectador de Occidente la cultura y tradición chinas.
Siempre se ha dicho que mirar a Japón es mirar hacia la ventana del futuro que nos espera. Todo coolhunter que se precie tiende puentes hacia la actualidad japonesa para conocer de primera mano las tendencias en moda, tecnología, arte,…. Con este objetivo me dirigí a ver el trabajo de Erina Matsui en la Fundació Miró, enmarcada en el ciclo de exposiciones “¡Kawaii!, Japón ahora”. La obra de esta joven artista (1984) impacta al primer momento. Sus autorretratos, realizados en primer plano, muestran a una chica con un gesto atormentado que llega a angustiar, que solo se endulza por la aparición de criaturillas y elementos infantiloides a su alrededor. Seres imaginarios que hacen de la obra de Erina Matsui el reflejo de la profunda nostalgia de la infancia que invade a la sociedad japonesa actual. Una nostalgia que, en realidad, encubre el malestar de la juventud que se resiste a entrar en el mundo adulto y se aferra cuanto le es posible al mundo infantil.
El término Kawaii es una palabra de moda entre los jóvenes japoneses, que más allá de significar guapo o mono, define toda una forma de ser y pensar basada en un cierto estrafalario nihilismo y una exaltación de la infancia. Minifaldas plisadas, lolitas en el barrio de Harajuku, adoración exacerbada por todo lo relacionado con Hello Kitty y los personajes manga, construyen un mundo onírico y delicado en el que los jóvenes japones es se refugian y recrean su propia identidad. Este fenómeno que ha invadido multitud esferas de la sociedad japonesa es estudiado por sociólogos, periodistas y filósofos, considerado como la negación del presente social a favor de un retorno a la infancia, el reflejo, en definitiva, del descontento de la sociedad japonesa.
Pero el sentimiento de volver hacia la infancia no es exclusivo de los jóvenes. El fenómeno otaku, nombre con el que se conoce a los aficionados a la cultura manga, tienen origen en la sociedad japonesa resultante de la Segunda Guerra Mundial. Tras la contienda, Japón quedó traumatizado y empieza a negar su pasado perdiendo gran parte de su identidad y abrazando ciertos aspectos de la cultura popular estadounidense, como los dibujos animados. La fascinación, de niños y adultos, por los dibujos animados y los objetos como llaveros o colgantes, conocidos como fanshi guzzu -del inglés fanzy goods-, pasan a formar parte de la vida cotidiana. Lo que sorprende del tema es que, a pesar del gran poder económico que ha proyectado al mundo la imagen de un país con tecnología punta, Japón vive desde hace unos años el pinchazo de la burbuja económica: el paro y la precariedad laboral han pasado a ser corrientes en la vida cotidiana de los japoneses y se ha plasmado en las creaciones de los artistas.
En cuanto a la transformación de la sociedad japonesa también hay que añadir la metaformosis de la figura de la mujer. Tras ser el sustento de la cultura tradicional japonesa, en la actualidad, y como apunta la comisaria de la exposición, Hélène Kelmachter, las chicas pasan cada vez más tiempo en la calle, vestidas de forma ostentosa para ser vistas y fotografiadas por los ojos de los viandantes. Las shôjo, las adolescentes japonesas son el símbolo de una mutación de la sociedad. Se definen como mujeres-niña, en estado de suspensión entre la infancia y la edad adulta. Entre colegiala y femme fatale, la gyaru –del inglés girl (chica), a la japonesa – es realmente la nueva fuerza social y cultural en Japón. La escena del arte contemporáneo confirma esta tendencia, a través de las artistas mujeres que crean una obra inventiva y sorprendente, fascinante y, a veces, molesta como la de Erina Matsui.
Por todo lo expuesto, Hélène Kelmachter argumenta toda esta vuelta deliberada a la inocencia de la infancia como la negación del presente social y la oportunidad para abrir la puerta a la imaginación y lo extraño.
La Fundación Joan Miró presenta, en el espai 13, un ciclo de cinco exposiciones de artistas japoneses contemporaneos.
Las obras de jóvenes artistas, de los cuales 4 son mujeres, son una invitación a un viaje sorprendente por el mundo de la creación japonesa más actual y un reflejo de la realidad que vive la juventud japonesa del país actualmente.
Erina Matsui ¿Kawaii? O la infancia del arte 23 de noviembre de 2007 – 13 de enero de 2008
Chiho Aoshima Terror y seducción 25 de enero – 24 de marzo de 2008
Tomoko Sawada Identidades 4 de abril – 18 de mayo de 2008
Kohei Nawa La poesía de lo extraño 30 de mayo – 20 de julio de 2008 Comisaria de la exposición: Hélène Kelmachter
Fecha: hasta el 10 de julio de 2008 Lugar : Fundación Joan Miró, Espai 13. Dirección : Av. Miramar, 1, BARCELONA Entrada : 4€ Teléfono : 93 443 94 70 E-mail : fjmiro@bcn.fjmiro.es
La Galería Hartmann de Barcelona acoge un recorrido por la historia de los pantalones vaqueros en la exposición Truth and Light. Usando tecnología punta, a través de luz láser, se puede emular el paso de tiempo en los pantalones, creando "obras de arte", como las llama Enrique Silla, el director de la compañía catalano-valenciana Jeanología y organizador de la exposición.
En la muestra se pueden ver prendas auténticas desde los años 50 de diferentes partes del mundo y la manera en la que se trata de imitar el paso del tiempo. "Los pantalones tienen un alma, algo que se desgasta con el uso, que es distinto en cada persona", afirma Silla. El trabajo de Jeanología y sus artistas, según el organizador del evento, es encontrar ese "alma".
Jeanología exporta su tecnología a 43 países y a una impresionante gama de marcas de vaqueros que incluyen las mas comercialmente reconocidas. El "envejecimiento" de las prendas con láser es innovador en el mercado por el tiempo que se logra cortar de los procesos anteriores de producción.
'Truth & Light' 16 y 17 de enero de 9 a 20 horas Galería Hartmann C/Sta. Teresa n° 8 Bajos. t. 934159556
Petra Mrzyk y Jean-François Moriceau presentan una instalación en el Espai Montcada de CaixaForum
(Petra Mrzyk y Jean-François Moriceau Golden Eye Espai Montcada CaixaForum)
Además de su inconfundible estilo y personal grafismo, existe un claro nexo de unión entre todas las exposiciones de Petra Mrzyk (Nuremberg, 1973) y Jean-François Moriceau (Saint-Nazaire, 1974): las películas de James Bond. Todas sus muestras toman el título de alguna de ellas y todas se caracterizan por introducir al espectador en una vertiginosa narración en la que los acontecimientos se suceden frenéticamente, consiguiendo captar su atención a través de juegos visuales y sugerentes imágenes.
En esta misma línea se sitúa la instalación que podrá visitarse en el Espai Montcada de CaixaForum Barcelona hasta el 24 de marzo de 2008 y que, bajo el título Golden Eyes, se presenta como la segunda entrega del ciclo expositivo "Euforia. Casos de optimismo extremo", comisariado por David Armengol.
Golden Eyes consiste en un cúmulo de imágenes enmarcadas en círculos que se suceden en capas superpuestas remitiéndonos, por un lado, a las ventanas de navegación en Internet y, por otra, a las secuencias encadenadas propias de las películas de 007. Influido por el cómic, los medios de comunicación, los videojuegos o la obra de artistas como Tony Cragg y William Wegman; este dúo artístico ha realizado sobre las paredes del Espai Montcada una suerte de storyboard en el que nos narra una historia cargada de ambigüedades, improvisación y sorpresas, dando lugar a un universo creativo que se nutre del surrealismo, el arte pop y el simbolismo.
Barcelona, 21/01/08 FUNDACIÓN LA CAIXA. ESPAI MONTCADA Avda. Marqués de Comillas, 6-8 Barcelona (España)
DE LA TELE. SANTIAGO ITURRALDE LLEVA IMAGENES DE LA PANTALLA A LA TELA. La exposición que el miércoles se inaugura en el Centro Cultural Recoleta, Desplazamientos y fusiones, muestra la mixtura, el juego incesante que ocurre entre la pintura y la fotografía. Se trata de fotógrafos que hicieron cuadros y pintores que tomaron la fotografía como base de sus obras. "En los últimos tiempos, la fotografía, gracias a la ayuda tecnológica, ganó tantas opciones estéticas que hicieron que de a poco se filtrara hacia lo pictórico", cuenta Santiago Iturralde, que en su caso tomó fotogramas de la pantalla (chica y grande) para pintar. Así logró que la rubia Kelly de Beverly Hills 90210 (una famosa serie de los 90) quedara atrapada en la tela para siempre, y también pintó a Marilyn e imágenes de "La Rosa Púrpura del Cairo", de Woody Allen.
Más cerca de los reporteros gráficos, Diego Haboba entiende la fotografía como un documento sobre el cual pintar. "Pinté fotos de toda mi familia, soy casi un cronista. Necesito las fotos para ver la realidad. Son documentos sobre los que realizar mi obra." Así, su abuela y su padre son en su pintura lo que antes fue una foto de época, mientras la fiesta celebrada por una amiga está reproducida, lejos de la foto digital, en pequeños cuadros representativos que forman una colección completa.
Del otro lado del arte se encuentran Melina Berkenwald y Arturo Aguiar. Ambos fotógrafos, juegan con lo registrado y lo van convirtiendo en pintura. Melina Berkenwald no sólo imprime sus imágenes en tela sino que luego las borda con hilos que les dan una textura que nunca tendrían. "Lo que yo veo y lo que busco que el otro vea son elementos que pasan desapercibidos en la foto", explica. Mientras tanto, Aguiar va hacia el extremo. En habitaciones cerradas y totalmente a oscuras abre el obturador de su cámara (lo que sería llevar al máximo lo que es posible ver) y "pinta" con una linterna o luces de colores lo que él quiere develar de la escena previamente creada. "El resultado son casi obras del Barroco", dice Ana Martínez Quijano, la curadora de esta exposición. De la muestra también forman parte las casi sombras japonesas del fotógrafo Martín Bonadeo, hechas a partir de tomas de altísima sobreexposición. Y están aquí las fotos del socialismo de todas las épocas puestas en pincel por Magdalena Jitrik. Se exhiben también los fabulosos retratos de los críticos de arte argentinos de Lorena Ventimiglia, elegida recientemente por la realeza española para poner en tela sus rostros. Aquí, Ventimiglia toma una serie de fotos como base para trazar los rostros de los críticos en situaciones importantes para cada uno de ellos.
En dos formas del arte que dialogan desde hace tiempo, los artistas buscan, dice la curadora, "la cara oculta de las cosas". Lo paradójico es que, para hallarla, el camino muchas veces es volver misteriosas imágenes que, de tan conocidas, ya parecen parte del paisaje.
El Indio Solari actuará en Jesús María el 12 de abril
El ex cantante de Los Redonditos de Ricota, el Indio Solari, actuará en la ciudad cordobesa de Jesús María el próximo 12 de abril.
El espectáculo, en el que el artista presentará su segundo disco solista, ``Porco Rex´´, se realizará en el anfiteatro José Hernández, el mismo en el que se lleva a cabo el festival de doma y folclore. Los organizadores del show no descartan, en caso de que la demanda de entradas sea muy grande, agregar una segunda fecha. El predio, si se habilita el campo, tiene una capacidad aproximada para albergar a unas 50 mil personas.
Donde hay dolor, habrá canciones Acabo de perderlo todo Bebamos de las copas Más lindas que tenemos hoy No se que pudo haber pasado Y esto no es más que un himno De amarguras de amor... Te traicionaban tus amigas Y justo saltaban las tostadas Bebamos de las copas Más lindas que tenemos hoy Voy a correr como un conejo Es lo que hace cualquiera Eso es lo que haces vos Ya vi caer la estrella Tu deseo se cumplió Quedó la marca de tus labios En esa copa ya vacía Brindemos por los rayos De la luz que me alumbra hoy Tuve una enfermedad malvada Y esto no es más que un himno De amarguras de amor...
Una gran carpa de casi 2.500 metros cuadrados levantada en el Fórum de Barcelona albergará a partir del día 29 el espectáculo ecuestre 'Cavalia', en el que participan treinta caballos y 37 artistas de técnicas circenses que combinan la equitación con las artes escénicas.
El espectáculo, creado por Normand Latourelle, uno de los fundadores del Cirque du Soleil, ocupará una gran carpa de 2.445 metros cuadrados con dos torres de treinta metros de altura, similares a las de un edificio de diez pisos, y se estrenará en España en el recinto del Fórum de Barcelona.
'Cavalia' combina la tradición ecuestre con las artes escénicas y sintetiza la relación que han mantenido las personas y los caballos a lo largo de la historia. Treinta caballos y treinta y siete artistas de técnicas circenses (acróbatas, saltimbanquis, bailarines y jinetes) comparten escenario en 'Cavalia'.
Latourelle desplazará a Barcelona un total 64 caballos, de los que sólo unos treinta saldrán al escenario. Alrededor de la gran carpa central, se dispondrán otras a modo de cuadras en las que se instalarán a los animales.
Diseñada especialmente para 'Cavalia', la carpa se levantará el 17 de enero y tendrá en su interior un escenario de cincuenta metros de largo con capacidad para 2.000 espectadores, según han informado a Efe fuentes de la producción del espectáculo.
'Cavalia' permanecerá en la plataforma marina del Fórum en principio hasta el 2 de marzo, para después viajar a Madrid e instalarse en la capital española entre el 1 de abril y el 1 mayo, en fechas prorrogables según la acogida que se dispense al espectáculo. El espectáculo ecuestre, según sus promotores, ha seducido ya a un millón y medio de personas en Estados Unidos, Canadá y Europa desde su puesta en marcha en 2003.
Barcelona Photobloggers sale de nuevo del mundo online para presentar su segunda exposición colectiva bajo el título “De la red a la pared II” el 17 de enero a las 20.30 horas. Un total de 34 fotobloguers del área de Barcelona expondrán sus fotografías en la galería Fotonauta hasta el 8 de febrero.
La iniciativa ha seguido la filosofía participativa de internet, permitiendo a cada autor seleccionar las fotografías a exponer. Todo el trabajo de organización, coordinación e impresión de fotografías se ha realizado también a través de la red.
Las fotografías se pondrán a subasta los días que dure la exposición, teniendo todas un precio de salida de 20 € cada una.
El día 17 de Enero hasta el 23 de Febrero se podrá presenciar en la Galería ‘Cámara Oscura’ la exposición que la fotógrafa americana Elena Dorfman presentará con el nombre de “Fandomania“.
La serie de fotografías se basará en el denominado “costume play” o “juego de disfraces” en donde los retratados se encuentran vestidos y emulando a distintos personajes de ficción ya sea en manga, videojuegos, películas famosas o héroes.
Consumando aspectos tan irreales como fantasiosos, Dorfman con la ayuda de elementos y efectos especiales permitirá que el protagonista fotografiado realmente se sienta en un mundo de videojuegos. También denominados ‘frikies‘ estos fanáticos se reúnen generalmente en convenciones y eventos como el “Salón del Manga” en Barcelona.
Luego del gran éxito de la exposición “Still Lovers” en donde Dorfman fotografió a dueños de distintas muñecas sexuales de silicona de aspecto hiperrealista, este nuevo trabajo asegura convertirse en otro gran logro de la consagrada fotógrafa.
La inauguración será el día Jueves 17 de Enero a las 20:00 PM horas en la Cámara Oscura, Galería de Arte, situada en la calle Alameda 16, 1º B de la ciudad e Madrid.
Una exposición sobre Picasso y Velázquez, una muestra sobre el Románico y el Mediterráneo y otra sobre la civilización etrusca destacan en el inicio de la temporada artística barcelonesa de 2008.
En primavera, el Museo Picasso de Barcelona recibirá en sus salas algunas obras de Velázquez procedentes del Prado y de otros museos con motivo de la exposición 'Picasso-Velázquez: Las Meninas'.
Esta exposición desvelará la fascinación de Picasso por Velázquez, que tuvo su mayor concreción en la serie de 'Las Meninas' que realizó el pintor malagueño en 1957 y que se conserva en su mayoría en el museo barcelonés. A partir de principios de febrero, CaixaFórum acogerá una gran exposición sobre 'Los etruscos', un pueblo considerado todavía hoy enigmático por sus peculiaridades etnográficas, lingüísticas, religiosas, políticas y culturales.
Esta retrospectiva reunirá unos 250 objetos de diversos museos, casi todos ellos extranjeros, entre ellos el Museo Arqueológico Nacional de Florencia, el Louvre, el British Museum de Londres y los Museos Capitolinos (Roma), datados entre los siglos IX y III a.C. En el mismo mes se inaugurará en el MNAC una exposición sobre 'El Románico y el Mediterráneo', centrado en tres de sus centros de producción: Cataluña, Toulouse y Pisa.
La muestra reunirá en el MNAC un centenar de obras esenciales del siglo XII procedentes de museos de Francia, Italia, Reino Unido y Estados Unidos, así como de la catedral de Pisa, de los monumentos románicos de Toulouse y del pórtico de Sant Pere de Rodes. El mismo museo, entre junio y septiembre ofrecerá una visión de la vanguardia a partir de tres de sus máximos exponentes, Duchamp, Man Ray y Picabia. En un año en que China concitará la atención de todo el mundo por la celebración de los Juegos Olímpicos en Pekín, los museos barceloneses también ofrecerán su mirada sobre el arte contemporáneo chino. En febrero, la Fundación Miró exhibirá una muestra de la colección suiza Sigg de arte contemporáneo chino, que cuenta con más de 1.200 obras de 180 artistas, y que se pudo ver por primera vez en 2005 en Berna.
Caixaforum acogerá entre junio y septiembre una exposición de arte contemporáneo chino, comisariada por Gao Minglu, especialista en las últimas tendencias artísticas de su país, en correspondencia a la exposición de la colección de arte contemporáneo de La Caixa que se exhibirá de junio a agosto en el Museo de Arte de Pekín de la Ciudad Imperial. La tercera mirada china llegará al CCCB en noviembre con la muestra 'La China soñada, la China real', que situará los actuales procesos de construcción y destrucción que vive el gigante asiático en la continuidad de la historia y de la cultura de aquel país. Más de un centenar de pinturas y dibujos darán de febrero a mayo una visión retrospectiva en La Pedrera, sede de la Fundación Caixa Catalunya, del pintor de origen esloveno Zoran Music (1909-2005).
El MACBA abre la programación de 2008 a finales de enero con una exposición consagrada Asier Mendizábal, miembro de la más reciente generación de artistas vascos, que realiza esculturas e instalaciones que comparten un rasgo común: la búsqueda de signos y símbolos que permitan constituir identidades de grupos e individuos más allá de nociones de pertenencia geográfica o cultural.
Una muestra recoge las fotografías de la edad dorada del circo en Madrid
La Casa de la Imagen de Logroño acoge desde hoy y hasta el próximo 27 de enero la muestra 'Historias del circo Price y otros circos de Madrid', en la que se repasa la edad dorada de este arte en la capital española.
Este momento culminante hay que situarlo hacia finales del siglo XIX y, especialmente, durante la Primera Guerra Mundial y principios de los años veinte, en que España se convirtió en la capital del circo europeo, a donde acudían los más grandes artistas de la época, que se habían quedado sin ocupación por culpa del conflicto. La muestra, promovida por el Escenario de Culturas Contemporáneas, Actual 2008, fue inaugurada por el comisario de la misma, Raúl Eguizábal, quien acaba de publicar un libro sobre el asunto, ilustrado con una parte de las fotografías que se pueden ver en la exposición.
Cabezas parlantes, mujeres sin brazos, malabaristas, artistas chinos, bailarinas, forzudos o elefantes paseando ante lo que hoy es el nuevo Ayuntamiento de Madrid son parte de las 48 imágenes de esta muestra, que se ha optado por completar con una proyección de diapositivas.
La mayoría de las fotografías son anónimas y generalmente corresponden a posados de los artistas que estos enviaban a los empresarios cuando querían ser contratados. Solo excepcionalmente se utilizaban como material promocional al estar captadas en blanco y negro, ya que las empresas preferían los carteles pintados en color, mucho más atractivos para el público.
'Las fotografías forman parte del archivo del que fuera jefe de pista de Circo Price, Leonard Parish, que luego fueron a parar a César Fernández Ardavín y que ahora está en la Biblioteca nacional. Son alrededor de seis mil fotografías en total', afirmó Eguizábal. La sede permanente del Circo Price estuvo situada en la Plaza del Rey entre 1880 y 1970, año en que fue derribado para construir un banco, que después mudaría a la sede del actual Ministerio de Cultura. El circo fue promovido por el británico Thomas Price y con posterioridad fue propiedad de William Parish, Leonard Parish, Mariano Sánchez Rexach, Juan Carcellé, Arturo Castilla y Manuel Feijoó.
A lo largo de sus noventa años de historia pasaron por su escenario grandes figuras del circo como Los Briatore, los hermanos Moreno, los payasos Pompoff y Thedy, las trapecistas Miss Mara y Pinito del Oro, y el maestro Charlie Rivel. Después de 37 años de su derribo, el pasado invierno abrió la nueva sede estable del circo, ubicada ahora en la Ronda de Atocha. 'Aquella época dorada del circo en Madrid tiene poco que ver, de manera general, con lo que se hace ahora, en que los animales tienen un papel especialmente relevante', afirmó Eguizábal.
El comisario recordó que aquel circo derivaba de la Comedia del Arte y se basaba fundamentalmente en las personas y los números. 'Muchos de estos números desaparecieron con el paso tiempo, aunque ahora parece que hay un intento por recuperarlos, como es lo que sucede con las estatuas vivientes', afirmó.
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