DAVID PERIS-MENCHETA NADAL. BARCELONA.

La apuesta cultural de La Pedrera, una exposición que se podrá ver hasta el 18 de mayo, recoge 130 obras de un pintor que sorprende tanto por su trayectoria como por el desconocimiento de su obra: Zoran Music. Fallecido en 2005 y de origen esloveno, Music pasó un año de su vida en la prisión fracesa de Dachau -la Gestapo lo capturó por colaborar con grupos partisanos- que significó, a modo de catalizador, el punto de partida de su posterior obra.

Tras su paso por el infierno del campo de extermino nazi, el propio pintor aseguró que «mi contacto con la muerte había transformado mi experiencia de la vida». Durante su cautiverio en Dachau, el artista dibujó unos doscientos dibujos hechos a lápiz, tinta o incluso a tiza, mostrando lo que ahí veía: cadáveres amontonados y rostros grises, atormentados y calavéricos.

La Pedrera ofrece una exposición incapaz de dejar indiferente al observador, pese a que la obra de Music está invadida por el silencio, producto de una mezcla entre respeto a la vida y el «schock» de su experiencia con el exterminio.

Su cruda visión de la muerte contrasta con la temática que retomó una vez salió de Dachau para instalarse en Venecia: paisajes, mujeres, caballos, retratos, motivos dálmatas... Pero el pintor , 25 años después de salir del averno nazi, retomó tras un periodo de bloqueo las imágenes vividas en el campo de exterminio.

«Es un acierto dar a conocer a un pintor que no está en las grandes oleadas comerciales. Es muy valiente apostar por un artista no conocido: la obra de Music en conjunto dice mucho. Su composición es exquisita a la vez que es muy rústico», comenta Cristina de Vreeze, historiadora de arte y museóloga.

Románico en el MNAC

«El románico y el mediterráneo: Cataluña, Toulouse y Pisa» es el título de la muestra sobre arte románico más importante que se expone en Cataluña en los últimos cincuenta añós. Desde el 29 de febrero hasta el 18 de mayo, el MNAC acoge un centenar de obras maestras de arte románico provenientes de colecciones privadas y museos de Estados Unidos, Francia, Italia e Inglaterra, la mayoría nunca vistas anteriormente en Cataluña.

La muestra, que aúna obras pertenecientes al período que va desde 1120 hasta 1180, cuenta con la Cruz del Santo Sepulcro de Pisa y con la estatua columna con rey nimbado de Saint-Denis como piezas más destacadas de la exposición.

El comisario de la misma, Manuel Castiñeiras, afirmó que la muestra del MNAC tiene como objetivo dar una visión renovada del arte románico. En esta línea, el museo ofrece una llamativa novedad: la recreación de la «portalada» de Ripoll en tres dimensiones.

El museo ha habilitado una sala en la cual se puede visualizar, mediante unas gafas especiales y gracias a la instalación de dos pantallas gigantes, la reconstrucción virtual realizada por la Universitat Politécnica de Catalunya. Formada por 180 millones de triángulos y consiguiendo un gran realismo, la recreación permite, a través de un sencillo panel de control, acercarse a la «portalada», admirarla desde distintos angulos e incluso se puede escoger la hora y el mes del año para ver los diferentes matices de luz.

La exposición, que cuenta con una brillante puesta en escena -es de recibo hacer una mención especial a la iluminación-, ofrece distintos espacios temáticos dedicados a altares, pinturas murales, espacios eclesiásticos, ejemplares de manuscritos perfectamente conservados o impresionantes crucifijos de entre los cuales destaca una enorme cruz dorada.

Dos estudiantes de historia del arte de 60 y 53 años, que acudieron a ver la exposición en el MNAC, aseguraron que es «extraordinaria, fantástica» y que la calidad de las obras, junto con la magistral puesta en escena, provoca que los asistentes se queden con la boca abierta. «¡Uhau!» atinan a expresar los que contemplan este centenar de obras.

Via ABC

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La exposición Rodeado de agua: Expresión de Libertad y aislamiento en el arte cubano contemporáneo permanecerá abierta desde este 8 de febrero y hasta el 6 de abril en Boston University Art Gallery (855 Commonwealth Avenue).

Curada por Natania Remba, la muestra reúne obras de los siguentes artistas: Belkis Ayón, Luis Cruz Azaceta, José Bedia, Iván Capote, Yoan Capote, Los Carpinteros, Patricia Clark, José Manuel Fors, Rocío García, Carlos Garaicoa, Kcho (Alexis Leyva Machado), Meira Marrero, Manuel Mendive, Ibrahim Miranda, Manuel Piña, Ernesto Pujol, Sandra Ramos, Tomás Sánchez, José Ángel Toirac y José Ángel Vincench.

La inauguración se realizará el jueves 7 de febrero, a las 18:00horas, con una actuación de la pianista cubana Bertica Schulman-Cramer. Además, el 6 de marzo, a las 12:00, está previsto un conversatorio con la artista plástica María Magdalena Campos-Pons, de Gallery Artists Studio Projects, y el 20 de marzo, a las 17:30, con la curadora Natania Remba, de la Universidad de Boston.

Siempre se ha dicho que mirar a Japón es mirar hacia la ventana del futuro que nos espera. Todo coolhunter que se precie tiende puentes hacia la actualidad japonesa para conocer de primera mano las tendencias en moda, tecnología, arte,…. Con este objetivo me dirigí a ver el trabajo de Erina Matsui en la Fundació Miró, enmarcada en el ciclo de exposiciones “¡Kawaii!, Japón ahora”.
La obra de esta joven artista (1984) impacta al primer momento. Sus autorretratos, realizados en primer plano, muestran a una chica con un gesto atormentado que llega a angustiar, que solo se endulza por la aparición de criaturillas y elementos infantiloides a su alrededor. Seres imaginarios que hacen de la obra de Erina Matsui el reflejo de la profunda nostalgia de la infancia que invade a la sociedad japonesa actual. Una nostalgia que, en realidad, encubre el malestar de la juventud que se resiste a entrar en el mundo adulto y se aferra cuanto le es posible al mundo infantil.
 
El término Kawaii es una palabra de moda entre los jóvenes japoneses, que más allá de significar guapo o mono, define toda una forma de ser y pensar basada en un cierto estrafalario nihilismo y una exaltación de la infancia. Minifaldas plisadas, lolitas en el barrio de Harajuku, adoración exacerbada por todo lo relacionado con Hello Kitty y los personajes manga, construyen un mundo onírico y delicado en el que los jóvenes japones es se refugian y recrean su propia identidad.
Este fenómeno que ha invadido multitud esferas de la sociedad japonesa es estudiado por sociólogos, periodistas y filósofos, considerado como la negación del presente social a favor de un retorno a la infancia, el reflejo, en definitiva, del descontento de la sociedad japonesa.

Pero el sentimiento de volver hacia la infancia no es exclusivo de los jóvenes. El fenómeno otaku, nombre con el que se conoce a los aficionados a la cultura manga, tienen origen en la sociedad japonesa resultante de la Segunda Guerra Mundial. Tras la contienda, Japón quedó traumatizado y empieza a negar su pasado perdiendo gran parte de su identidad y abrazando ciertos aspectos de la cultura popular estadounidense, como los dibujos animados. La fascinación, de niños y adultos, por los dibujos animados y los objetos como llaveros o colgantes, conocidos como fanshi guzzu -del inglés fanzy goods-, pasan a formar parte de la vida cotidiana.
Lo que sorprende del tema es que, a pesar del gran poder económico que ha proyectado al mundo la imagen de un país con tecnología punta, Japón vive desde hace unos años el pinchazo de la burbuja económica: el paro y la precariedad laboral han pasado a ser corrientes en la vida cotidiana de los japoneses y se ha plasmado en las creaciones de los artistas.

En cuanto a la transformación de la sociedad japonesa también hay que añadir la metaformosis de la figura de la mujer. Tras ser el sustento de la cultura tradicional japonesa, en la actualidad, y como apunta la comisaria de la exposición, Hélène Kelmachter, las chicas pasan cada vez más tiempo en la calle, vestidas de forma ostentosa para ser vistas y fotografiadas por los ojos de los viandantes. Las shôjo, las adolescentes japonesas son el símbolo de una mutación de la sociedad. Se definen como mujeres-niña, en estado de suspensión entre la infancia y la edad adulta. Entre colegiala y femme fatale, la gyaru –del inglés girl (chica), a la japonesa – es realmente la nueva fuerza social y cultural en Japón. La escena del arte contemporáneo confirma esta tendencia, a través de las artistas mujeres que crean una obra inventiva y sorprendente, fascinante y, a veces, molesta como la de Erina Matsui.

Por todo lo expuesto, Hélène Kelmachter argumenta toda esta vuelta deliberada a la inocencia de la infancia como la negación del presente social y la oportunidad para abrir la puerta a la imaginación y lo extraño.

neomoda.com

La Fundación Joan Miró presenta, en el espai 13, un ciclo de cinco exposiciones de artistas japoneses contemporaneos.

Las obras de jóvenes artistas, de los cuales 4 son mujeres, son una invitación a un viaje sorprendente por el mundo de la creación japonesa más actual y un reflejo de la realidad que vive la juventud japonesa del país actualmente.

Erina Matsui
¿Kawaii? O la infancia del arte
23 de noviembre de 2007 – 13 de enero de 2008

Chiho Aoshima
Terror y seducción
25 de enero – 24 de marzo de 2008

Tomoko Sawada
Identidades
4 de abril – 18 de mayo de 2008

Kohei Nawa
La poesía de lo extraño
30 de mayo – 20 de julio de 2008
Comisaria de la exposición: Hélène Kelmachter

Fecha: hasta el 10 de julio de 2008
Lugar : Fundación Joan Miró, Espai 13.
Dirección : Av. Miramar, 1, BARCELONA
Entrada : 4€
Teléfono : 93 443 94 70
E-mail : fjmiro@bcn.fjmiro.es

MIGUEL FERNÁNDEZ - BARCELONA

La Galería Hartmann de Barcelona acoge un recorrido por la historia de los pantalones vaqueros en la exposición Truth and Light. Usando tecnología punta, a través de luz láser, se puede emular el paso de tiempo en los pantalones, creando "obras de arte", como las llama Enrique Silla, el director de la compañía catalano-valenciana Jeanología y organizador de la exposición.

En la muestra se pueden ver prendas auténticas desde los años 50 de diferentes partes del mundo y la manera en la que se trata de imitar el paso del tiempo. "Los pantalones tienen un alma, algo que se desgasta con el uso, que es distinto en cada persona", afirma Silla. El trabajo de Jeanología y sus artistas, según el organizador del evento, es encontrar ese "alma".

Jeanología exporta su tecnología a 43 países y a una impresionante gama de marcas de vaqueros que incluyen las mas comercialmente reconocidas. El "envejecimiento" de las prendas con láser es innovador en el mercado por el tiempo que se logra cortar de los procesos anteriores de producción.

'Truth & Light'
16 y 17 de enero
de 9 a 20 horas
Galería Hartmann
C/Sta. Teresa n° 8 Bajos.
t. 934159556

DE LA TELE. SANTIAGO ITURRALDE LLEVA IMAGENES DE LA PANTALLA A LA TELA.

La exposición que el miércoles se inaugura en el Centro Cultural Recoleta, Desplazamientos y fusiones, muestra la mixtura, el juego incesante que ocurre entre la pintura y la fotografía. Se trata de fotógrafos que hicieron cuadros y pintores que tomaron la fotografía como base de sus obras.
"En los últimos tiempos, la fotografía, gracias a la ayuda tecnológica, ganó tantas opciones estéticas que hicieron que de a poco se filtrara hacia lo pictórico", cuenta Santiago Iturralde, que en su caso tomó fotogramas de la pantalla (chica y grande) para pintar. Así logró que la rubia Kelly de Beverly Hills 90210 (una famosa serie de los 90) quedara atrapada en la tela para siempre, y también pintó a Marilyn e imágenes de "La Rosa Púrpura del Cairo", de Woody Allen.

Más cerca de los reporteros gráficos, Diego Haboba entiende la fotografía como un documento sobre el cual pintar. "Pinté fotos de toda mi familia, soy casi un cronista. Necesito las fotos para ver la realidad. Son documentos sobre los que realizar mi obra." Así, su abuela y su padre son en su pintura lo que antes fue una foto de época, mientras la fiesta celebrada por una amiga está reproducida, lejos de la foto digital, en pequeños cuadros representativos que forman una colección completa.

Del otro lado del arte se encuentran Melina Berkenwald y Arturo Aguiar. Ambos fotógrafos, juegan con lo registrado y lo van convirtiendo en pintura. Melina Berkenwald no sólo imprime sus imágenes en tela sino que luego las borda con hilos que les dan una textura que nunca tendrían. "Lo que yo veo y lo que busco que el otro vea son elementos que pasan desapercibidos en la foto", explica.
Mientras tanto, Aguiar va hacia el extremo. En habitaciones cerradas y totalmente a oscuras abre el obturador de su cámara (lo que sería llevar al máximo lo que es posible ver) y "pinta" con una linterna o luces de colores lo que él quiere develar de la escena previamente creada. "El resultado son casi obras del Barroco", dice Ana Martínez Quijano, la curadora de esta exposición.
De la muestra también forman parte las casi sombras japonesas del fotógrafo Martín Bonadeo, hechas a partir de tomas de altísima sobreexposición. Y están aquí las fotos del socialismo de todas las épocas puestas en pincel por Magdalena Jitrik.
Se exhiben también los fabulosos retratos de los críticos de arte argentinos de Lorena Ventimiglia, elegida recientemente por la realeza española para poner en tela sus rostros. Aquí, Ventimiglia toma una serie de fotos como base para trazar los rostros de los críticos en situaciones importantes para cada uno de ellos.

En dos formas del arte que dialogan desde hace tiempo, los artistas buscan, dice la curadora, "la cara oculta de las cosas". Lo paradójico es que, para hallarla, el camino muchas veces es volver misteriosas imágenes que, de tan conocidas, ya parecen parte del paisaje.

(via Clarin)