Iconic Australian musician, songwriter and author Nick Cave is now the subject of his own exhibition at the Arts Centre.
Delving behind the music and into Cave’s imagination and the sources of his unique vision through original lyrics, notebooks, artwork, photography and books, as well as objects from the musician’s own library and office, Nick Cave - the exhibition will be at the Arts Centre’s George Adams Gallery 10 November 2007 - 4 April 2008. Drawing from over 800 items generously donated by Nick Cave to the Arts Centre’s Performing Arts Collection, the exhibition features lyrics personally selected by Cave, one of Melbourne’s best known international music icons. Visitors to the Arts Centre will be taken on a surprisingly insightful and playful journey through the performer’s connection with Melbourne, London, Berlin, Sao Paulo and Brighton, England. The world-premiere display designed and created by the Arts Centre, will also explore the many phases of his career working with The Boys Next Door, The Birthday Party, the Bad Seeds and Grinderman. Mick Harvey, Nick’s long-time collaborator is working with the Arts Centre to help provide rare and unavailable video and documentary material especially for the exhibition. Exhibition curator, Janine Barrand said: “It has been great that Nick has been so involved and interested in the exhibition, personally selecting the lyrics that will be featured. This exhibition is a great opportunity for the Arts Centre to connect to a new audience, through one of Australia’s best known performers and songwriters. I believe this exhibition will show a side of Nick that is rarely seen.” Speaking about the exhibition Nick Cave says, “This has been a revealing and rewarding experience. Much of this stuff has sat around in boxes for years and the process of “excavating” it has been many things – moving, disturbing, inspiring and downright terrifying. The Arts Centre has done an excellent job of researching and collating this material.” Some highlights of the exhibition include:
Lyrics chosen exclusively by Nick Cave to feature in the exhibition
Notebooks and diaries of Nick Cave
Original manuscript of Nick Cave’s book, And The Ass Saw The Angel
A selection of photographs by Polly Borland, Bleddyn Butcher, Peter Milne Anton Corbijn and others
A unique compilation of moving image selected by Mick Harvey, Bad Seeds member and long time collaborator of Nick Cave
Artwork by ‘The Man Who Painted Cats’, Louis Wain and objects, on loan from Nick Cave’s personal collection
Artwork by Tony Clark featured on the Nick Cave and the Bad Seeds albums: The Best of the Bad Seeds, 1998 and No More Shall We Part, 2001
Books from Nick Cave’s personal library
Designs and artwork by Nick Cave
Revised manuscript of the script for the film, The Proposition, written by Nick Cave, directed by John Hillcoat
A selection of flyers, fanzines and posters dating from the late 1970s and The Boys Next Door days to the present
Nick Cave – the exhibition follows earlier Arts Centre Icon Series exhibitions which showcased fellow Melburnians Barry Humphries and Kylie Minogue. The Kylie exhibition is now rounding out a hugely successful UK tour which has attracted record attendances. About the Performing Arts Collection Established in 1975, the Arts Centre’s Performing Arts Collection is regarded as the most significant specialist collection of performing arts memorabilia in Australia. Several important donations were received in the early years, forming the foundation of the collection. These included the Dame Nellie Melba Collection in 1978 and the Barry Humphries – Dame Edna Everage Collection in 1981. The Collection now comprises more than 300,000 items from costumes, set models, props, puppets, posters, archives and more, representing the full breadth of the performing arts with objects relating to circus, dance, music, opera and theatre in Australia. As a sign of the significance of the Collection, it was formally recognised as a State collection in 2000. Access to the Collection is provided through themed exhibitions, foyer displays the Arts Centre web site and a public research service. The Collection continues to grow through both purchase and gifts. Many of Australia most distinguished contemporary performing artists have been extraordinarily generous in donating their personal collected works. Circus families, smaller theatrical and dance companies, bands, festival organisers and rock stars have all contributed, so that among many others are Coral Browne, Frank Thring and Circus Oz, through to AC/DC, Split Enz and Kylie Minogue. The patron of the collection is Barry Humphries. Nick Cave Tales – Told in Four Chapters, Featuring The Nick Cave Collection is being produced by the Arts Centre to coincide with the exhibition. Featuring original illustrations by artist Tony Clark, each chapter provides an insight into lesser-known aspects of Nick Cave’s creative life and times. the Arts Centre’s presents Nick Cave – the exhibition 10 November, 2007- 6 April, 2008 the Arts Centre, George Adams Gallery Free
En 1931 Jesús se le apareció a la monja polaca Faustina Kowalska y le mostró el infierno: “Hoy un ángel me llevó a los precipicios del infierno. Es un lugar de grandes torturas. ¡Es impresionante el tamaño y la extensión del sitio! He aquí los tipos de torturas que vi: la pérdida de Dios, el remordimiento de conciencia perpetuo, el saber que esa condición nunca va a cambiar, el fuego que penetra el alma sin destruirla: la permanente oscuridad y un terrible hedor que sofoca, pero, a pesar de la oscuridad, los demonios y las almas de los condenados se ven y ven toda la malignidad propia y de los demás; la horrible desesperación, el odio a Dios, las palabras horrendas, las maldiciones y las blasfemias. Estas son las torturas que sufren los condenados, pero éste no es el fin del sufrimiento. Hay torturas especiales destinadas a las almas en particular. Son los tormentos de sus sentidos. Cada alma pasa por tormentos terribles relacionados con la manera en que han pecado. He recibido el mandato de Dios de dejar esto por escrito, para que ninguna alma pueda excusarse diciendo que no existe el infierno. Yo, por orden de Dios, he visitado los abismos del infierno, para poder hablar a las almas sobre esto y para poder dar testimonio de su existencia”. (Otro infierno transcripto por Ferrari.)
Luego de recibir el premio mayor en la Bienal de Venecia, León Ferrari vuelve para mostrar su obra más reciente.
Por Fabián Lebenglik
Inmediatamente después de recibir el León de Oro en la Bienal de Venecia, Ferrari volvió a Buenos Aires para montar una exposición con su nueva obra.
Lo primero que sorprende de esta muestra es el despliegue incansable del artista, su producción casi compulsiva, de una obra que por otra parte se compone de detalles.
Cuando en junio quien firma estas líneas estuvo en los días previos a la inauguración de la Bienal veneciana, el clima que se respiraba alrededor de la muestra de Ferrari era de tal entusiasmo que luego la sorpresa no fue tanta cuando finalmente, hacia el cierre de la muestra, en octubre, el jurado le otorgó el León de Oro.
Los días previos a la apertura de la Bienal están reservados para la prensa y los especialistas. Durante aquellas jornadas, el periodismo, los curadores y directores de museos, los coleccionistas y críticos festejaban la exposición de León, se interesaban, lo entrevistaban y la prensa publicaba decenas de artículos para destacar la obra del gran artista argentino. Nadie podía ocultar su entusiasmo, ni los más circunspectos personajes del mundo del arte. Aquella muestra constituía una selecta antología de la obra del artista (elegida por el curador de la Bienal, el norteamericano Robert Storr) y la pieza que concitaba todas las miradas era la célebre Civilización occidental y cristiana, en la que Cristo aparece crucificado sobre un avión de combate norteamericano. En los años sesenta –cuando fue realizada– o ahora, cuatro décadas después, la obra produce el mismo impacto.
Ferrari viene trabajando desde la década del cincuenta y logró transformarse en un artista reconocido internacionalmente durante la última década; pero en 2004 ganó una enorme popularidad gracias a su extraordinaria retrospectiva presentada en el Centro Cultural Recoleta. Aunque no solamente la calidad y potencia de un lúcido cuerpo de obra lo colocó en el lugar en que está, sino también la personalidad y ética del artista. Y también, justo es reconocerlo, la torpeza de sus enemigos: los violentos, los reaccionarios y los fanáticos, que tienen un enorme poder y sin embargo no pudieron evitar responderle, atacarlo y hostigarlo, al artista y su obra. Eso ayudó muchísimo a ampliar la popularidad de Ferrari en una proporción que el propio artista jamás hubiera esperado.
El siempre ha discutido de frente –a través de su obra, sus escritos y declaraciones– con los poderes más reaccionarios de la Argentina. Ferrari viene denunciando la violencia y la injusticia. Su obra demuestra, entre otras cosas, cómo el horror está inscripto en la matriz misma de la religión, en sus infiernos y amenazas, en los interminables tormentos, en la barbarie intrínseca de una doctrina que se propone como bondadosa. Y el poder reaccionario no soporta las críticas de Ferrari, ni el rigor y calidad con que las expresa con su obra.
En su nueva exposición, el artista presenta tres series de obras –dibujos, poliuretanos y ramas– muy diferentes entre sí. Se trata de sus trabajos más recientes.
Como explican las curadoras de la muestra, Andrea Giunta y Liliana Piñeiro, “la historia de las series de los poliuretanos comienza con la reconstrucción de una obra de alambres atados de comienzos de los años sesenta, para su exposición retrospectiva. La pieza se llamaba Paloma. La reparación de ese alambre llevó a nuevas exploraciones en el espacio y a la investigación de un material nuevo, el poliuretano, que lo deslumbró por las formas caprichosas y azarosas con las que se expandía después de que él lo colocaba, con un aerosol, sobre la estructura de alambre”.
Esas formas inesperadas, esos volúmenes que sugieren levedad y solidez simultáneamente, a través de su crecimiento multiforme, están presentes en las nubes y hongos nucleares que presenta en la galería y que exhibió también en Venecia. En la Bienal, Ferrari mostró dentro de esta serie una suerte de nube rosada, sentada sobre una silla, plagada de ojos. Allí se advertía también el humor del artista: aquel volumen multiforme de poliuretano, plagado de ojos, parecía evocar el lugar del testigo. Alguien que ve todo para después registrarlo. Sólo que en este caso su lugar era el de testigo de la exposición, sentado en el umbral de la muestra, mirando las obras que colgaban del techo y las paredes.
Así detallan las curadoras las piezas que seleccionaron para la exposición: “Dibujos con relieves, chorreados y brillantinas enloquecidamente superpuestos. Escrituras dibujadas que se abigarran sin llegar a eliminar el sentido. Estructuras de ramas de sauces eléctricos que se abrazan en el espacio, que lo enredan cuando el alambre las anuda en el aire. Abigarramientos de poliuretano que toman la forma de explosiones nucleares, de planetas, de nubes, de relieves, y en los que se desplazan hombrecitos, árboles o lauchas”.
En el caso de los dibujos, el artista vuelve con sus escrituras, en las que transcribe algunos de los infiernos –el de Faustina, el de Fátima (ver aparte)– que el dogma religioso reserva para quienes piensan otra cosa.
En su inamovible coherencia, León Ferarri, como miembro fundador del Cihabapai (Club de impíos, herejes, apóstatas, blasfemos, ateos, paganos, agnósticos e infieles), solicitó en la Navidad de 1997 al Papa que gestionara la anulación del juicio final y de la inmortalidad y en el 2001, el desalojo y demolición del infierno.
(En la galería Ruth Benzacar, Florida 1000, hasta el 24 de noviembre.)
El miércoles abrirá con exposiciones de dibujos de Goya y de pinturas del siglo XIX
Lista, la ampliación del Museo del Prado
Armando G. Tejeda (Corresponsal y foto)
Madrid, 27 de octubre. El Museo del Prado es la pinacoteca más importante de España y una de las más prestigiosas de Europa. Con algo más de cien años de tradición, el museo ha ido acumulando cuadros y esculturas de pintores emblemáticos de la historia del arte, como Goya, Velázquez, Rubens, Tiziano, Tintoretto y El Greco, entre otros. Sin embargo, la dimensión de la colección –que nació gracias al empeño y la visión de los reyes Carlos V y Felipe II– provocó que una buena parte de la obra se quedara durante años guardada en bodegas, ante la falta de espacio del edificio original.
Para paliar esto, que además privaba a los espectadores del derecho a disfrutar de obras incunables, se decidió iniciar los trabajos de la ampliación del Museo del Prado. Después de 10 años de trabajo y selección del proyecto de ampliación, que finalmente fue obra del arquitecto español Rafael Moneo, finalmente se culminó la construcción del nuevo inmueble, que permitirá no sólo albergar colecciones temporales, sino también mostrar al público un edificio histórico –el claustro de la iglesia de los Jerónimos–, convertido en una propuesta arquitectónica moderna.
Para la inauguración de la ampliación del Museo del Prado se desempolvó la valiosa colección de pintura española del siglo XIX, para seleccionar 95 obras y 12 esculturas, con el objetivo de mostrar los vaivenes del arte español de esa centuria, así como su aportación a la inminente llegada de las vanguardias del siglo XX. Entre los pintores que forman parte de la colección destacan Leonardo Alenza, Gerardo Pérez Villamil, Eugenio Lucas, Antonio María Esquivel, Joaquín Sorolla, Federico Madrazo, Eduardo Rosales y Mariano Fortuny, entre otros.
Miguel Zugaza Miranda, director del Museo del Prado, expresó su alegría por la conclusión de un proyecto dilatado en el tiempo y que costó algo más de 150 millones de euros. “No quiero que piensen que nos hemos vuelto melancólicos quijotes cuando tratamos de recuperar el legado de la antigüedad cuando homenajeamos, en el claustro reconstruido de los Jerónimos, a la familia de Carlos V y Felipe II, los fundadores de la mejor tradición coleccionista que se ha producido en la historia occidental. Y no queremos que piensen que nos hemos vuelto tontamente nostálgicos cuando abrimos por primera vez las nuevas salas de exposiciones para celebrar el mejor arte creado en España en el siglo XIX, que es además un verdadero Prado oculto.”
Zugaza insistió en la idea de que la selección de la obra pictórica del siglo XIX sirve para explicar el intento de recuperar una identidad común pérdida entre la historia del museo y el devenir del arte en su más estricta contemporaneidad. “A nuestro juicio, no se puede escribir una historia del arte del siglo XIX español o internacional sin valorar en su justa medida el papel que juega la inédita visibilidad pública de las colecciones reales españolas. La pertenencia a una tradición del arte español, cuya identidad comienza a formarse al literalmente tomar cuerpo en las paredes donde cuelgan los grandes ejemplos de la llamada escuela española, se acusa aún más si cabe entre los artistas más cosmopolitas y atentos a las novedades del arte internacional, en París o en Roma, como Federico Madrazo, Eduardo Rosales, Mariano Fortuna, Berruete, Joaquín Sorolla”, señaló.
José Luis Díez, curador de la exposición, explicó que la tarea de selección se hizo con “cuidado” y “respeto” a la tradición, al señalar que tuvieron que elegir de una colección total de 3 mil cuadros los 95 que forman parte de la exposición.
Javier Barón, el otro comisario de la muestra, explicó que la muestra se articula en nueve secciones ordenadas cronológicamente y en función de las diferentes corrientes o formas de expresión artística del siglo XIX. El primer apartado está dedicado en exclusiva a Francisco de Goya y el Neoclasicismo, en el que se incluyen diversos retratos decimonónicos.
Para la inauguración de la ampliación del Museo del Prado, que abrirá sus puertas el próximo miércoles, también se decidió sacar de las bodegas una serie de 27 dibujos de Goya, algunos de ellos nunca expuestos hasta ahora, en el contexto de la exposición Goya. El toro mariposa. El vuelo, la diversión y la risa. El itinerario culmina en el Claustro de los Jerónimos, donde se rinde un homenaje a la familia del emperador Carlos V, con esculturas de Leone Leoni (1509-1590).
"Podemos saber si el cerebro está realizando operaciones matemáticas, diseñando objetos en el espacio o ninguna de estas dos tareas con una probabilidad del 80%". La frase no pertenece a una novela de ciencia ficción, sino que la dijo Desney Tan, el responsable de la división Microsoft Research.
Es que Microsoft está experimentando con encefalogramas y demás tecnologías relacionadas con la mente humana para descifrar un código cerebral que pueda ser compatible con la acción cibernética. El objetivo: desarrollar una herramienta tecnológica que reconozca estados mentales para que las computadoras respondan directamente a las ondas del cerebro humano. "Lo más difícil sigue siendo adentrarse en los secretos del ser humano", dice Tan en la página web de Microsoft Research. "Sólo de esta forma lograremos construir computadoras que a su vez nos comprendan a nosotros mismos".
Ésta no es la primera vez que se pretende lograr el objetivo. Hace un año, un chico de 14 años logró jugar al videojuego Space Invaders con su mente, gracias a un experimento de la Universidad Washington en St. Louis (Missouri, EEUU) realizado por un equipo de neurocirujanos, neurólogos e ingenieros que lograron que, sólo mediante las señales que emitió su cerebro, el joven lograra mover las naves. El propósito de aquel experimento era desarrollar una tecnología que permitiera desarrollar otros dispositivos médicos para controlar el movimiento de extremidades artificiales.
Además de Microsoft, otras empresas están en la carrera mente-cibernética. En Silicon Valley, la firma NeuroSky ha desarrollado varios prototipos que leen las ondas mentales de los usuarios y detectan si éstos están concentrados, adormilados o ansiosos. Por ejemplo, la empresa ha diseñado una espada de Dark Vader, el personaje de la Guerra de las Galaxias, que se ilumina cuando nos concentramos en ella o si fijamos nuestra atención en una imagen mental. NeuroSky cree que esta tecnología revolucionará el mundo de los videojuegos, pero podría tener también aplicaciones terapéuticas. Además de permitir a personas sin movilidad manejar ordenadores y consolas, estos juegos podrían ayudar a niños hiperactivos, autistas o con problemas de atención, dicen los expertos. Los videojuegos del futuro podrían, por ejemplo, detectar qué jugadores no están atentos y penalizarlos o premiar a aquellos que mantienen la calma mejor que sus oponentes.
La XVIII edición de ArtFutura, el festival de arte digital y realidad virtual más importante de España, comienza hoy en el Parque de las Ciencias de Granada para ofrecer un amplio programa audiovisual, que incluye una Retrospectiva de Marcel·lí Antúnez, el fundador de la Fura del Baus.
EFE El Festival, que también se celebra en once ciudades españolas, se extenderá hasta el 4 de noviembre y contará con las mejores creaciones digitales del ámbito internacional, entre ellas "Codehunters" de Ben Hibon, "Tadeo Jones y el sótano maldito" de Enrique Gato o los vídeo-juegos de última generación "The Eye of Judgement", además de medio centenar de creaciones digitales.
Estas creaciones se reparten en tres secciones: Artfutura Show, con los trabajos internacionales de 3D de los últimos doce meses; Full Motion Theather, una producción audiovisual vinculada al mundo de los vídeo-juegos y que está marcada por los títulos de la próxima generación de consolas; y 3D en España, que recoge los trabajos de los finalistas españoles del certamen que lleva el mismo nombre. La Retrospectiva del fundador de La Fura dels Baus recoge sus instalaciones robóticas y performances tribales como la de "Hipermembrana", en la que se encuentra trabajando actualmente.
El programa 2007 se completa con la proyección del documental "8 Bit", que refleja la influencia del vídeo-juego en la cultura contemporánea y que ha sido producido en Nueva York, Los Ángeles, París y Tokio. Por otra parte, el Parque de las Ciencias ha organizado con motivo del Año de la Ciencia un programa paralelo con instalaciones diseñadas por investigadores de distintas universidades andaluzas.
En concreto, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada participa con la proyección de trabajos realizados por sus alumnos, y la Escuela Técnica Superior de Ingeniería de Telecomunicaciones de la Universidad de Málaga ha cedido la instalación Leviatán, en la que el visitante se adentra en el interior de una bestia marina.
Por su parte, la Universidad de Córdoba participa en el Festival con el mundo virtual de Second Life, a través de una gran pantalla que permite al visitante "tener una segunda vida" con ayuda de unas gafas virtuales. Otra instalación creada por la Universidad de Córdoba para esta ocasión es "Dentro del Arte", en la que el espectador contempla las obras de Velázquez, Goya, Picasso, Dalí o Leonardo Da Vinci desde una perspectiva tridimensional.
Una mujer encontró en Manhattan un cuadro valorado en un millón de dólares
La obra será subastada el próximo 20 de noviembre en Nueva York
ELMUNDO.ES | AFP
NUEVA YORK.- La casa de subasta Sotheby's va a poner a la venta el próximo 20 de noviembre un lienzo del pintor mexicano Rufino Tamayo, cuyo valor se estima en un millón de dólares. Hace cuatro años fue encontrado entre la basura en una calle de Manhattan. Un par de décadas antes, había sido robado.
'Tres personajes', pintado en 1970 por Tamayo, un artista fallecido en 1991, estaba junto a otros desperdicios cuando llamó la atención de Elizabeth Gibson, una neoyorquina que pasó por su lado.
Gibson, escritora, iba a tomarse un café en una mañana de marzo. "Casi lo dejo ahí", confiesa esta mujer al diario 'The New York Times', "era demasiado grande para mi apartamento". Pero "tenía un poder especial" y se lo llevó a casa.
Sólo comprendió su valor después de varias búsquedas en Internet y un programa televisivo que hablaba de objetos de arte desaparecidos. Volvió a sus legítimos propietarios. "Yo no entiendo de arte contemporáneo y el marco era barato", explica.
El cuadro pertenecía a un matrimonio de Houston al que robaron la obra en 1987 y que, por cierto, adquirió en la misma casa de subastas 10 años antes.
En ese tiempo, la pareja se había mudado a Sudamérica y no había vuelto a tener noticia alguna del cuadro, a pesar de que ofrecía una recompensa. El marido había fallecido y la viuda, después de recuperarlo, ha decidido venderlo. La fecha: el 20 de noviembre, en Nueva York.
BILBAO (AFP) — Unas 200 obras de unos 120 artistas acoge el museo Guggenheim de Bilbao en 'Art in the USA: 300 años de innovación', la mayor muestra de arte estadounidense expuesta hasta el momento en Europa.
Inaugurada el 11 de octubre, ocho días antes del décimo aniversario del museo, la exposición estará en Bilbao hasta finales de abril, después de haber pasado por Pekín, Shanghai y Moscú, pero ampliada con unas 75 obras más.
Se trata de un "primer análisis histórico del arte estadounidense" y ofrece "una visión extraordinaria del desarrollo cultural e histórico de nuestra nación", desde comienzos del siglo XVIII hasta hoy, explica el director de la Solomon Guggenheim Foundation y comisario de la exposición, Thomas Krens.
La muestra, compuesta de muchas obras que nunca habían salido de Estados Unidos y dividida en seis períodos, comienza revelando la parte menos conocida en Europa del arte norteamericano, que abarca los siglos XVIII y XIX. La pintura rígida y 'naif' del período colonial que quiere imitar a la británica incluye retratos de personajes públicos como 'George Washington', de Gilbert Stuart, y una curiosa 'Galería del Louvre', de Samuel Morse, el inventor del telégrafo.
A comienzos del XIX, George Catlin retrata a los indios americanos, pero dominan los paisajes, como los de George Inness. Al final de ese siglo y comienzos del XX, los contactos con el exterior y los períodos que muchos pintores pasan en Europa hace que sean más conocidos algunos impresionistas como John Singer Sargent, McNeill Whistler y Mary Cassatt.
En el período de entreguerras conviven el realismo social con el regionalismo (Benton, Hartley, Hopper, Georgia O'Keeffe). Y, tras la Segunda Guerra Mundial, el expresionismo abstracto da figuras internacionales como Pollock, Rothko y De Kooning. Y tras el arte pop de los 60 (Warhol, Lichtenstein, Rosenquist), el de los últimos 20 años, con Keith Haring, Basquiat, Julian Schnabel y Jeff Koons.
León Ferrari recibe el afectuoso saludo de la comunidad artística, en la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta Foto: Victoria Conci
Un aplauso caluroso, sostenido y acompañado de ovaciones fue el regalo que ofreció ayer a León Ferrari la comunidad artística en el Centro Cultural Recoleta. El motivo: el León de Oro que recibió la semana última en la 52a. Bienal de Venecia. Un nutrido grupo de artistas plásticos asistió a una sencilla fiesta-homenaje en la que primaron la alegría y el reconocimiento por la trayectoria de Ferrari, de 86 años, que llegó el viernes al país. En pocas horas, la directora del Centro Recoleta, Liliana Piñeiro, organizó el homenaje.
"Me alegró mucho que tres de los cuatro premios hayan correspondido a temas de análisis de las políticas contemporáneas. Entre ellos estaban las obras que hice hace cuarenta años sobre la contaminación cultural. Agradezco a todos, especialmente a mi mujercita." Fueron las únicas palabras de un Ferrari conmovido por las felicitaciones que recibía de los amigos, que esperaban pacientemente su turno para abrazarlo. Lo acompañaron su esposa, Alicia, y sus nietas Anna Ferrari y Maitén y Julieta Zamorano. Las obras de Ferrari que se expusieron en el Pabellón Internacional de la Bienal de Venecia fueron seleccionadas por el curador general Robert Storr, con la colaboración de la especialista argentina Victoria Noorthoorn. Piñeiro explicó ayer que el homenaje no era "sólo por el León de Oro de Venecia, sino por lo «león» que él es". Recordó que hace tres años montaron allí, en la sala Cronopios, la muestra Retrospectiva , curada por Andrea Giunta y visitada por más de 70.000 personas, que quedó en el centro de una fuerte polémica por el fuerte rechazo d e sectores católicos al contenido de la muestra. "La Retrospectiva de 2004 generó una historia que quedó en el imaginario de todos los que viven en esta ciudad y que es difícil de olvidar", dijo Giunta, historiadora e investigadora de la obra de Ferrari desde hace más de una década. Y recordó que "toda la comunidad artística ayudó a que la muestra se mantenga abierta".
Se refería a Civilización Occidental y Cristiana, una propuesta artística con obras críticas de la Iglesia, que fue clausurada por la jueza Elena Liberatori y reabierta luego por el juez Horacio Corti, quien se acercó ayer al Recoleta para saludar a Ferrari. Giunta describió el estrecho vínculo que une al artista galardonado en Venecia con el Recoleta, donde es considerado como de la casa. Allí Ferrari realizó, en 1989, su primera muestra retrospectiva; en 1991 presentó la instalación V Centenario de la Inquisición y la obra La Justicia ; participó en las exposiciones Erotizarte y realizó la retrospectiva de su padre, arquitecto, constructor y pintor de iglesias, Augusto C. Ferrari.
Asistieron el secretario de Cultura de la Nación, José Nun, y la ministra de Cultura porteña, Silvia Fajre. Entre los artistas plásticos -que eran mayoría- estaban Luis Felipe Noé, Guillermo Roux, Juan Doffo, Luis Benedit, Fernando Fazzolari, María Papadopoulos, María Juana Heras Velasco y Elsa Cerrato, por citar algunos. Se sumaron también José Miguel Onaindia, director del Centro Cultural Rojas, y Laura Buchellatto, del Museo de Arte Moderno; el embajador de Francia, Frédéric Baleine du Laurens; Osvaldo Giesso; Gloria Bender; Fernando Farina; Magdalena Cordero; Enrique Oteiza; Osvaldo Quiroga; Alan Pauls; Enrique Oteiza, y Nora Cortiñas.
Apple anunció que proporcionará un kit de desarrollo de software que será presentado en febrero para los independientes con el fin de crear aplicaciones para el popular iPhone de la empresa, según informaron los medios de comunicación el jueves. “Queremos aplicaciones nativas independientes en el iPhone, y planeamos tener un SDK en las manos de los desarrolladores en febrero. Estamos entusiasmado sobre la creación de una comunidad de desarrolladores independientes brillantes en torno al iPhone y activar cientos de nuevas aplicacioens para nuestros usuarios”, lee un anuncio firmado por el presidente de Apple, Steve Jobs, en el sitio Web de la empresa. Apple enfureció a los desarrolladores y algunos usuarios iPhone cuando presentó un software actualizado el 27 de septiembre que desactivaba los programas no oficiales instalados en el dispositivo. Hasta el miércoles, Apple ha intentado controlar qué aplicaciones tienen los consumidores en sus iPhones. Es fácil encontrar muchos programas no oficiales para el iPhone en Internet. Los usuarios solo tienen que tomar el riesgo de instalarlos, sabiendo que cualquier daño al iPhone proveniente de programas no oficiales no está cubierto por la garantía de Apple. “Estoy encantada”, dijo Erica Sadun, una programadora de ordenadores en Denver. “Espero que sea exactamente como dicen, desarrollador completamente independiente”. Un admirador y blogger de un Mac - y un crítico de la decisión de Apple en restringir el iPhone al AT&T Inc en los Estados Unidos - Sadun predijo que el cambio de corazón de Apple ayudará al final a la empresa a vender más iPods e iPhones. (Pueblo en Línea)
Al menos 200 artistas de Argentina, Estados Unidos, Holanda y México entre otros países, expondrán sus obras en la Feria Internacional de Arte de Bogotá "Artbo 2007", que inició el día 18 y culminará el próximo 22 de octubre. Los organizadores dispusieron más de 6.300 metros cuadrados para exponer las obras de 18 galerías de arte nacionales y 26 internacionales, entre ellas de España, Costa Rica, Perú, Venezuela y Chile. "Es un evento de gran importancia para Bogotá pues le da dinámica a la cultura en la ciudad y fomenta el desarrollo del coleccionismo de arte en sus habitantes", dijeron voceros del Centro Empresarial Corferias, donde se lleva a cabo Artbo 2007. Entre las galerías destacadas en la tercera edición de la feria organizada por la Cámara de Comercio de Bogotá se encentran Joan Guaita-Art de España, Artspace Witzenhausen de Holanda y Praxis International Art de Estados Unidos. "Las participantes fueron escogidas por un grupo de galeristas entre los que se encuentran Ana Torrejón de la Galería Dabbath Torrejón de Argentina, Enrique Guerrero de la galería Enrique Guerrero de México y el colombiano Juan Gallo, director de la galería Alcuadrado", agregaron los expertos culturales. Colombia por su parte, estará representada por Alcuadrado, Fhara Galería, Galería Casa Cuadrada, Galería Casas Riegner, El Museo y La Galería y La Cometa, entre otras. Otras galerías escogidas fueron la Ado de Sousa de Argentina, Nara Roesler de Brasil, Cecilia Palma de Chile, Jacobo Karpio de Costa Rica, Enlace Arte Contemporáneo de Perú y Galería de Arte Ascaso de Venezuela. La feria cuenta con un pabellón infantil y uno dedicado a los nuevos talentos nacionales en técnicas como pintura, escultura, fotografía, video, arte electrónico, arte sonoro y performance. "La muestra dibuja un panorama de la producción artística contemporánea a través de la inclusión de propuestas de vanguardia en cada medio. Las obras incluidas constituyen propuestas novedosas que desafían las nociones tradicionales sobre arte y buscan una relación activa con el espectador", señalaron representantes de la Cámara de Comercio. (Xinhua) 20/10/2007
Más de 300 artistas participarán en la Feria de Arte Independiente de Madrid (FAIM), con México como país invitado
Más de 300 artistas participarán en la octava edición de la Feria de Arte Independiente de Madrid (FAIM), que contará este año con México como país invitado. Marta Lueje, directora de este evento, que se celebrará en el Pabellón de La Pipa de la Casa de Campo de Madrid, entre los días 25 y 28 de octubre, afirmó hoy en rueda de prensa que pese a ser una feria 'más pequeña y joven' que ARCO, su filosofía es 'diferente, ensalzando la figura del artista'.
En un emplazamiento de cinco mil metros cuadrados, alrededor de 300 artistas expondrán 10.000 obras repartidos en 175 stands. Para esta octava edición han confirmado su asistencia, entre otros, Juan Carlos Callejas, Pedro de Miguel, Ortiz Valderrama, Loc, Robert Carbonell, Arantxa Martín, Ochandiano, Maria José Bró o Luis Llorente. La feria, que como explicó Lueje contará como novedad este año con una nutrida presencia de artistas independientes infantiles, contará con México como país invitado, con artistas como Ernestina Serralde, Gloria Garza, Francisco Romero, Javier Gomesoto o el Colectivo Diamonds Land, entre otros.
Lueje destacó que FAIM se ha consolidado como 'un espacio de encuentro entre el artista y su público, sin intermediarios'. 'La base de la feria es el contacto directo con el público', matizó, haciendo hincapié en la 'frescura' de esta feria. 'EN FAIM NO DISCRIMINAMOS A NADIE'
Preguntada por las diferencias con ARCO, Lueje dijo que 'la filosofía de FAIM es que el artista se represente por sí mismo'. 'Somos más pequeños y más jóvenes, no discriminamos a nadie y ensalzamos la figura del artista', aseveró, recordando que en ARCO, por ejemplo, los jóvenes artistas no tienen cabida si no cuentan con el respaldo de grandes galerías.
'Aquí el artista se presenta y explica al público su obra y, además, negocia el precio, y hasta puede regatear', apuntó Lueje, quien agregó que los criterios de selección de artistas atienden a la 'calidad, para que las obras sean dignas y con las bases técnicas suficientes'. Además, la feria, que trabaja con patrocinadores, no se lleva comisiones de las ventas. Entre las actividades programadas por la feria, que contará el día de la inauguración con la presencia de la subsecretaria de Cultura, María Dolores Carrión, habrá performance sorpresa, una jornada de puertas abiertas para responsables técnicos y políticos de cultura organizada por la Federación Española de Municipios y Provincias (FEMP) o la presentación del libro 'Desde mi cama del hospital 2' o la presencia del defensor del menor de la Comunidad de Madrid.
La exposición World Press Photo –recopilación de las obras ganadoras del concurso homónimo– es conocida mundialmente como la principal muestra itinerante de fotoperiodismo. Así pues, la World Press Photo se convierte tanto en un documento histórico de los principales acontecimientos del año pasado como una muestra de la mejor fotografía de 2005. Este año participaron 4.448 fotógrafos de 122 países, que presentaron las imágenes de los hechos más relevantes de 2005, junto con las más insospechadas y de gran belleza que brinda el deporte, la naturaleza o la vida cotidiana en cualquier punto del planeta.
Las secuelas del huracán Katrina, Nueva Orleans, 30 de agosto-5 de septiembre 3er Premio Noticias de Actualidad - Reportajes gráficos. Michael Appleton, USA, New York Daily News
Chan-Wook Parkdirector de cinecoreano, nacido el 23 de agosto de 1963. Graduado del departamento de Filosofía de la Universidad de Sogang [1], inició su carrera cinematográfica como ayudante del director Jae-young Gwak en la película A Sketch of a Rainy Day (1988). En 1992 escribió y dirigió su primera película Moon is the Sun's Dream, seguida de Saminjo (Trío) en 1997 y Simpan (Judgment) en 1999. Ninguna de estas películas tuvieron mucho éxito comercial o de crítica, hasta que estrenó Gongdong gyeongbi guyeok JSA (Joint Security Area) en 2000. JSA es una de la películas más taquilleras de la historia de Corea del Sur y su éxito catapultó a Park rápidamente al estrellato. Luego inició la "trilogía de la venganza", con Boksuneun naui geot (Sympathy for Mr. Vengueance) en 2002, seguido con la maravillosa Oldboy de 2003, ganadora del gran premio del jurado del Festival de Cannes de 2004. La trilogía termina con Chinjeolhan geumjassi (Sympathy for Lady Vengueance) de 2005.
Saibogujiman kwenchana (2006) ... aka I'm a Cyborg, But That's OK (International: English title) (USA)
Chinjeolhan geumjassi (2005) ... aka Kind-Hearted Ms. Geum-Ja (literal English title) ... aka Lady Vengeance (USA) ... aka My Lady Vengeance (Hong Kong: English title: DVD box title) ... aka Shed Tears for Lady Vengeance (Philippines: English title: DVD title) ... aka Sympathy for Lady Vengeance (UK: DVD box title)
Saam gaang yi (2004) (segment "Cut") ... aka Three, Monster (South Korea) ... aka Three... Extremes (International: English title)
Galicia no cuenta aún con una noche de los museos como las que se organizan en grandes ciudades europeas, pero sin duda que la próxima semana será la de los grandes eventos en varias salas de exposiciones de la comunidad autónoma. Entre las figuras universales del arte que contarán con exposiciones individuales en espacios expositivos de Galicia destacan los nombres del pintor malagueño Pablo Picasso y del artista estadounidense Man Ray, pero a ellos hay que sumar otras muestras destacadas como la que se dedica a la obra del fotógrafo Sebastião Salgado y la treintena de artistas que integran la exposición Tiempo al tiempo, que desde el viernes celebrará el quinto aniversario del museo MARCO de Vigo.
La doble exposición que se dedica a Pablo Picasso en Vigo y A Coruña también servirá para conmemorar un aniversario, en este caso los 40 años de la fundación Pedro Barrié de la Maza. El próximo miércoles se abrirá en la sede de esta institución en Vigo una muestra en la que se exhibe una treintena de bodegones realizados por Picasso durante la primera mitad del siglo XX.
Se trata de un viaje por el uso del color y las distintas técnicas y materiales empleadas por el artista malagueño. Al día siguiente se inaugura en la sede coruñesa de la fundación Barrié una exposición de medio centenar de retratos femeninos picassianos. Entre ellos se encuentran retratos de las esposas y amantes que más influyeron en su trabajo: Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot y, especialmente, Jacqueline Roque, la musa y modelo con la que vivió sus últimos años.
El miércoles también se presentará en Santiago una exposición con fotografías realizadas en África por el brasileño Sebastião Salgado, uno de los grandes nombres del fotoperiodismo universal. La maestría de Salgado para recoger con su cámara los grandes dramas del continente africano está presente en sus instantáneas. La exposición forma parte del ciclo PhotoGalicia, al que también pertenece otro de los grandes acontecimientos artísticos de la semana, la muestra dedicada a Man Ray que ocupará las cuatro plantas del nuevo edificio de la fundación Caixa Galicia en A Coruña y que se inaugura el próximo viernes.
Surrealismo y dadaísmo
Las fotografías que han dado fama a este creador, que asistió a los primeros pasos del surrealismo y el dadaísmo, estarán presentes en una muestra que ofrece una amplia visión de la trayectoria artística y vital de Man Ray a través de esculturas, libros, cuadros y objetos personales.
Los que visiten la exposición tendrán la oportunidad de entender por qué el artista consideró a la búsqueda de la libertad y del placer como las dos grandes motivaciones de su obra. La provocación y el escándalo fueron dos compañeras de viaje habituales en la vida artística y personal del artista de origen ruso, aunque nacido en Filadelfia.
El mismo día que se abre esta exposición en Vigo se abrirá la gran muestra con la que el museo Museo de Arte Contemporáneo vigués celebra sus cinco años de vida. Grandes nombres del arte contemporáneo como Sam Taylor-Wood, Ana Jotta, Nam June Paik, Allen Ruppersberg o Ignasi Aballi presentan piezas que tienen en común una reflexión sobre el tiempo. La experiencia del paso del tiempo y su medición ha sido una preocupación que ha interesado a muchos artistas. Varios de los participantes en la muestra han realizado piezas específicas para esta exposición y estarán presentes en la inauguración, que será una gran fiesta para celebrar el primer lustro de vida del museo.
No solo están de enhorabuena en Vigo, ya que el amplio abanico de exposiciones que pueden verse ahora mismo en Galicia hace cada vez menos necesario desplazarse a las grandes capitales europeas para ver arte de calidad. Hay que recordar que todavía pueden visitarse las exposiciones recientemente se inauguraron en el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC) de Santiago y en la fundación Luis Seoane de A Coruña, dedicadas respectivamente al arte feminista y a la huella que dejó Luis Seoane durante su estancia en Buenos Aires.
El sistema de personajes en la obra narrativa de Boris Vian
En esta tesis hemos abordado el estudio de la constelación de personajes en la obra narrativa de Boris Vian. Tras exponer un panorama crítico sobre dicho autor y teórico sobre el personaje narrativo del siglo XX, y una vez que hemos analizado detalladamente la producción vianesca, nos hemos decantado por abordar la configuración de los originales e innovadores personajes de este autor desde diferentes ópticas y aproximaciones.
Hemos optado por aprehenderlo en toda su diversidad y complejidad siguiendo las reglas del juego que nos plantea Boris Vian, esto es, intentando no desvirtuar ni guiar hacia otros derroteros su obra narrativa. A fin de dilucidar su presencia y observarlo en todas sus manifestaciones, –tal y como aparece en el universo diegético, de manera a-psicológica, irreal y concreta–, hemos evitado, en la medida de lo posible, prefijar una red teórica fija o extender a priori una urdimbre crítica que desvirtúe la captación espontánea del personaje en su medio vital que es el texto.
La metodología escogida está en ese sentido en consonancia con la dificultad del objetivo propuesto. Hemos situado de manera razonada las incidencias concretas de las corrientes generales de la crítica literaria respecto al conocimiento de Boris Vian, para observar hasta qué punto se ha restringido el acercamiento a dicho autor. Después hemos revisado aquellos elementos de las grandes corrientes críticas del siglo XX, a saber: formalismo-estructuralismo, crítica temática y psicocrítica, que son, a nuestro juicio, descartables y/o aprovechables para la aproximación al personaje vianesco.
Al tener en cuenta la hibridez y variedad de registros y géneros literarios utilizados por el autor, un primer capítulo de meta-crítica nos ha parecido justificado e imprescindible puesto que el estudio de los personajes en la obra de Boris Vian no responde a un modelo clásico decimonónico pero tampoco se ajusta a los distintos modelos canonizados, en mayor o menor medida, por las escrituras contemporáneas.
Así pues, hemos llevado a cabo el acercamiento al personaje vianesco, que elude la introspección psicológica, estudiando su exterioridad. Desde su primera focalización, hemos analizado su calificación, las informaciones textuales sobre su descripción física, su indumentaria y su etiqueta, así como su percepción intertextual y extra-textual. Hemos tenido en cuenta las relaciones e interacciones que se establecen entre los personajes, en un sistema de paralelismos y oposiciones que se instaura entre ellos. Hemos analizado la deshumanización del personaje vianesco en las interferencias con otros reinos. Señalamos la relación del personaje y la acción, la tipología de las acciones; las palabras del personaje, el discurso con el que se expresa, su corporeidad lingüística; su perceptibilidad sensorial y su proyección en el espacio, en la materia que lo circunda, para dar cuenta de un mecanismo de construcción y reconstrucción del personaje extremadamente innovador.
Estructuración del trabajo:
Tras definir y justificar los criterios de selección de las obras que son objeto de estudio en esta tesis, el primer capítulo, la «Aproximación a la caracterización de los personajes vianescos» cuenta con varios apartados sobre cómo aparecen los personajes en escena; el papel de su onomástica en la caracterización; el regreso de los personajes que pasan de una novela a otra; las personas reales que se ficcionalizan y el personaje como efecto-pretexto, como proyección del autor. Nos centramos aquí en el análisis concreto y exhaustivo del tema elegido, poniendo de manifiesto las premisas teóricas de las que partíamos en la presentación.
En el capítulo II titulado «Relaciones establecidas entre los personajes», examinamos las oposiciones psicológicas e ideológicas de grupos simétricos de parejas y tríos; la relevancia y las consecuencias del doble; la jerarquía de personajes principales y secundarios; y el enfrentamiento de víctimas y verdugos, que refleja la lucha del individuo frente la sociedad.
El capítulo III «Reinos confundidos en un mundo insólito: humanos, animales, objetos híbridos», muestra las interferencias surrealistas y turbadoras entre los tres reinos; las metamorfosis y los fenómenos de deshumanización: animalización o/y reificación, y, a la inversa, de antropomorfización de los personajes. El cruce ‘patafísico entre realidad y ficción sirve de marco explicativo de la dinámica que genera la creación de personajes vianescos, dando lugar a una especie de travestimiento paródico de la realidad referencializada, primer peldaño lúdico en el que el autor instala al lector. El concepto fronterizo de hibridez y los mecanismos anamórficos, –que constituyen el vector existencial, estético e ideológico del autor–, desvelan claramente el tratamiento plástico y visual de los personajes vianescos. Boris Vian pretende subvertir el efecto de realidad mediante la desautomatización de la percepción del personaje.
El capítulo IV «Los personajes al descubierto, la exteriorización de su psicología y afectividad», es el capítulo más extenso, y en él analizamos todas aquellas técnicas y procesos que nos llevan a conocer desde el exterior a los personajes vianescos opacos. Este capítulo se divide en cuatro apartados: IV. A. La vestimenta de los personajes; IV. B. Gestos y movimientos; IV. C. Las palabras y IV. D. La perceptibilidad de los personajes de Vian a través de los cinco sentidos.
El capítulo V «La proyección de los personajes en un espacio inquietante», se centra en la construcción o caracterización de los personajes atendiendo a su ámbito espacial, las correspondencias que se establecen entre el personaje vianiano y la morfología de ese mundo insólito. Destacándose la estrecha connivencia simbólica entre estos dos elementos del universo narrativo de Boris Vian.
En la Bibliografía final hemos especificado, en un primer apartado, la bibliografía acerca de la narratología, del personaje narrativo y del espacio en la que nos hemos basado; así como toda la obra de Boris Vian: novelas, relatos, poesía, teatro, canciones, ópera, artículos y tratados; la bibliografía consultada acerca de la obra crítica sobre Boris Vian y las obras literarias y ensayísticas citadas en el trabajo.
En un segundo apartado hemos presentado una bibliografía crítica o comentada, con un recorrido por las ediciones en francés, y hasta la fecha, de las obras de Boris Vian.
La aportación de esta tesis se centra en un doble interés: por una parte contribuir a un debate abierto, a una reflexión seria y útil sobre el concepto o la noción de personaje novelístico: su valor, su función, y su modalidad en la novela contemporánea. Dejando patente en este punto la necesidad de prolongar las acotaciones teóricas a través del conocimiento directo de las producciones literarias. Y en segundo lugar, estudiar las particularidades o especificidad del interesante y no suficientemente conocido personaje vianesco.
MADRID, 9 oct (IPS) - La presentación en España de un libro que recoge escritos de un centenar de ex presas políticas de Argentina se convirtió en un símbolo de lo que significa luchar por la libertad y la justicia en las prisiones.
Marcos Ana, célebre escritor y ex preso político español, dijo a IPS que pensar y escribir en las cárceles "contribuye enormemente a que uno se pueda mantener en pie y luchar por su libertad y por la de las demás víctimas de las dictaduras". "Nosotras, presas políticas", el libro presentado estos días en Barcelona y Madrid, surgió en 1999 cuando la posteriormente fallecida Mariana Crespo lo planteó y logró reunir a un centenar de ex detenidas durante la dictadura argentina (1976-1983), quienes decidieron testimoniar sobre su experiencia basándose en las cartas que habían enviado desde la cárcel a sus familias. Así lo relató a IPS Silvia Echart, conocida entre sus compañeras como "Katy", una de las seis coautoras de la obra presentada con el apoyo de la embajada de Argentina en España y del no gubernamental Observatorio Hispano Argentino. "En pocos meses reunimos unas 2.000 cartas, de las cuales 500 están recogidas en el CD que acompaña al libro. Pero también comprobamos que las cartas, que eran censuradas por los guardiacárceles, no reflejaban todo lo que ocurría dentro de las prisiones y por eso resolvimos acompañarlas con un relato cronológico, por lo cual el libro tiene un capítulo por año", explicó. En el prólogo escrito por la socióloga Inés Izaguirre ésta se pregunta: "¿Cómo llamaremos, después de la lectura del libro, al capellán penitenciario Bellavigna que se define ‘primero penitenciario antes que sacerdote’? ¿Cómo llamaremos al médico, a los médicos carcelarios, que frente a una pulmonía y una bronquitis intentan diagnosticar mediante un tacto vaginal?" "¿Y a la odontóloga que fuma y toma mate mientras arranca dientes en lugar de curarlos? ¿Cómo llamaremos a la guardiana que en el primer día de visita de dos mellicitos a su mamá les impide verla porque lloran, asustados"?, añadió. "Crueles criminales", responde sintéticamente Katy. Y destaca que el sacerdote Hugo Mario Bellavigna integró (de 1978 a 1982) la llamada "Junta interdisciplinaria" de la cárcel de Villa Devoto, ubicada en Buenos Aires, un cuerpo integrado también por militares, policías "y hasta un psicólogo". Adiciona que "eso fue un detalle de una política de aniquilamiento que llevaban a rajatabla". Con su libro, subraya la ex presa, "queremos aportar a procesos democráticos en marcha y a reconstruir la memoria en Argentina y el resto de América Latina, a fondo y con humildad, testimoniar lo que hemos vivido para que no se repita y podamos construir una sociedad mejor, más justa y en la que se respeten de verdad los derechos humanos." Deben continuar luchando porque, agrega, "hoy todavía debemos seguir conviviendo en la calle con personas que cometieron delitos de lesa humanidad y están libres. Somos solidarias con las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo, que tanto han hecho y siguen haciendo para que se haga justicia". Enrique Borcel, presidente del Observatorio Argentino, destacó la importancia que tiene que 112 mujeres que estuvieron detenidas por la dictadura "tengan el valor de testimoniar su tortura, su sufrimiento, para que las nuevas generaciones y las futuras tengan conocimiento de lo que pasó". Señala que ya pasaron tres décadas desde que Argentina sufrió su última dictadura y que "hay que tener valor para hacer esto (el libro) después de lo que pasaron". "Son ex presas de diversas tendencias e ideas políticas y sociales, pero, sin embargo, se unieron firmemente, conviviendo, sobreviviendo y dando testimonios de gran valor para que impere la justicia, la verdad y se abran bien las puertas hacia el futuro", apuntó. Marcos Ana, cuyo verdadero nombre es Fernando Macarro Castillo, nació en 1921 y combatió en la Guerra Civil Española (1936-1939) en el bando republicano. En 1939 fue apresado y condenado a muerte. La condena no se ejecutó y quedó en prisión, hasta que en 1961 una fuerte campaña internacional logró su libertad, se exilió y sólo en 1976 pudo volver a España tras la muerte en 1975 del dictador Francisco Franco. El lunes también presentó un libro de memoria histórica y reivindicación de la libertad, titulado "Decidme cómo es un árbol". En diálogo con IPS recuerda que comenzó a escribir poemas "para mantenerme en pie y continuar la lucha por la libertad y la justicia social, apoyado por los Comités de Solidaridad que constituimos en las cárceles". Allí, en la prisión, fue responsable de los pasquines ilegales, que circulaban de mano en mano eludiendo a los guardias, entre ellos el periódico Juventud. "Todos ellos hechos a mano". En la cárcel comenzó a escribir poemas e inventó su pseudónimo con el que fueron conocidos en el exterior, hacia donde salieron escondidos. Eran poemas en los que animaba a luchar contra la dictadura franquista (1939-1975). Al ser liberado en 1961 se trasladó a Francia y allí integró un centro de solidaridad presidido por Pablo Picasso y desde allí recorrió otros países, de Europa y de América del Sur, en especial estuvo en Argentina y Chile. Recuerda que en enero de 1962 recibió una carta de Pablo Neruda en la que le dijo "quiero enviarte, Marcos Ana, algunas palabras, y qué poca cosa son, qué débiles las siento cuando se enfrentan a tu largo cautiverio, que poca y pequeña luz para la sombra de España...". Pero en el libro de las ex presas no todo es sufrimiento y tragedia. Así cuentan en él que un día, en el penal de Villa Devoto, decidieron representar una obra de teatro, escondidas para que no las vieran los guardianes. Y una de ellas recuerda que "actuó" con un vestido hecho con una sábana y una frazada "y me hice pis de tanto reírme". Ello muestra que "hicimos todo lo posible para resistir al aniquilamiento, a la destrucción. Nunca faltó la risa, la alegría, la joda (diversión)", dicen las ex presas. (FIN/2007)
Del 9 de octubre al 6 de enero de 2008 en el Museo Thyssen-Bornemisza y en la Fundación Caja Madrid, Madrid Organizan: Museo Thyssen-Bornemisza y Fundación Caja Madrid Comisario: Fernando Checa El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid colaboran de nuevo para presentar una de las exposiciones más destacadas del momento en la capital. A través de la figura de Alberto Durero (Nuremberg, 1471-1528) y de Lucas Cranach, el Viejo (Kronach, 1472-Weimar, 1553), y con la aportación inestimable de otros creadores coetáneos, esta muestra refleja un amplísimo repertorio del arte que se desarrolló en Alemania entre finales del siglo XV y principios del siglo XVI. Fue ésta una época marcada en el territorio germano por peculiaridades y aspectos muy concretos, que en política estuvieron dominados por el personaje de Maximiliano I y que en el terreno artístico destacan por la originalidad de las formas y los temas, diferentes a los que imperaban por entonces en el gusto renacentista de Italia y en el realismo flamenco, estilos que no eran en absoluto ajenos a estos artistas y con los que sin duda existían relaciones, como podrá apreciarse aquí.
"Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento", al igual que otras muestras realizadas conjuntamente por estas dos instituciones, se organiza en dos capítulos, cada uno de los cuales se presenta en una sede. De esta manera, el Museo Thyssen acoge El mundo de los artistas y la Fundación Caja Madrid exhibe en la Sala de las Alhajas Un mundo en conflicto. Entre los dos nos ofrecen un recorrido por más de 230 piezas (pinturas, dibujos, estampas, orfebrería, armaduras y artes decorativas), con las que se muestra la riqueza y variedad de las manifestaciones artísticas en este episodio específico del Renacimiento. En la primera parte de la exposición, centrada en aspectos estéticos y en cuestiones como la imagen y el papel de los artistas, encontramos obras excepcionales que nos hablan de la evolución de los creadores, especialmente de Durero, desde el trabajo en el taller y el oficio artesanal, hasta convertirse en una gran figura de reconocido prestigio.
Se trata también la confrontación de temas y estilos entre los diferentes representantes del momento: los modelos idealizados de Durero frente a las imágenes más realistas y sensuales de Cranach o Hans Bandung Grien, quien además desarrolla una temática que ahonda en la representación de la fealdad, la vejez y lo grotesco, algo que contrastaba enormemente con los renacentistas italianos. La incesante investigación de Durero sobre aspectos de la naturaleza, plasmada en dibujos de animales y plantas, así como el nuevo patrón de retratos que creó, tienen también cabida en esta sala, donde pueden verse algunas de sus más afamadas obras llegadas desde museos de todo el mundo. El recorrido continúa en la Sala de las Alhajas, donde hallamos un espacio destinado a dar a conocer cómo el arte puede intervenir en aspectos como la religión, la política e incluso la guerra. La iglesia reformista alemana otorga un especial protagonismo a la figura de Cristo, cuya representación adquiere diferentes formas, desde el Cristo bendiciendo al Ecce-Homo. La Pasión es un episodio muy tratado, en el que se alcanzan altas cotas de expresividad y que por su importancia en este periodo es tratado aquí en un apartado propio. Pero junto a la religión destaca la propaganda: la política y la de la doctrina luterana, temas de enorme importancia y que, como tal, se sirvieron del arte para hacer llegar su mensaje, ya fuera en forma de armadura y escudo en los torneos y cacerías, en el primero de los casos, ya fuera a través de los retratos de Lutero encargados a grandes figuras, particularmente a Lucas Cranach, de quien destacan también aquí el Retrato de Carlos V (1533).
Además de la belleza de la muestra, que se cierra con una selección de estampas de la famosa serie El Apocalipsis de Durero, es interesante destacar que, si bien las exposiciones con trabajos de estos artistas pueden haber sido más o menos frecuentes en nuestro país, lo excepcional de esta ocasión es que refleja de una manera muy completa el panorama global del Renacimiento alemán.
"Durero y Cranach. Arte y Humanismo en la Alemania del Renacimiento". Madrid, hasta el 06/01/08
Comienza Frieze Art Fair, la cita anual con el arte contemporáneo que se celebra a mediados de octubre en el Regent's Park de Londres. En esta quinta edición, que tendrá lugar entre el 11 y el 14 del citado mes, podremos contemplar más de mil obras de arte, realizadas por los más diversos artistas, que presentan las 151 galerías participantes en el encuentro. Frieze tiene lugar en un espacio único: una carpa temporal de 21.000 metros cuadrados diseñada por Jamie Fobert, en la que confluyen las propuestas artísticas más novedosas de los 28 países que acuden al evento.
Algunos de los platos fuertes de este quinto encuentro con la creación contemporánea serán la exposición individual de Pawel Althamer en la Foksal Gallery Foundation, las muestras que cambiarán a diario en la Tanya Bonakdar Gallery o la exhibición comisariada por Aurélie Voltz especialmente para la feria. Además, se podrán visitar proyectos específicamente realizados para el evento, como la instalación de Richard Prince; acudir a charlas, mesas redondas y debates; dar un paseo por el parque de esculturas, en el que se exhiben piezas de artistas como Claes Oldenburg, Coosje van Bruggen, Christian Jankowski; o presenciar proyecciones de vídeo y actuaciones musicales en directo.
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